Next Door Gallery 옆집갤러리

Hyunjung Lee

(Manager) — Sun, 06 May 2012 19:49:14 +0900

UPCOMING

Hyunjung Lee

06.08 - 06.24, 2012
Reception: Friday, June 8, 5-8 pm

Artist bio

Next Door Gallery @ Art Kyoto 2012

(Manager) — Mon, 23 Apr 2012 22:42:21 +0900

CURRENT_ART FAIR NEWS

04 / 27 - 04 / 29 / 2002
www.artkyoto.jp

Hotel Monterey Kyoto Booth # 434

NEXT DOOR GALLERY
proudly PRESENTS the works of

Hyunsun Jeon, Hayoung Kim,
and Hyejeong Park.

Artist Bios: / Hyunsun Jeon /
Hayoung Kim / Hyejeong Park

...

Hyunsun Jeon_Road to Endless Opposites

(Manager) — Wed, 11 Apr 2012 18:07:11 +0900

Hyunsun Jeon

Road to Endless Opposites

2012. 5. 4 - 5. 22
Reception: Friday, May 4, 5-8 pm

Artist bio

마지막 산책, 2012, watercolor on canvas, 100 x 100 cm

Untitled, 2012, watercolor on canvas, 80.3 x 65.0 cm

그들의 관계, 2010, watercolor on canvas, 91 × 65 cm

비밀스러운 소식을 전하러, 2011, watercolor on canvas, 100 x 100 cm

Grandmother Meets Wolf, 2010, watercolor on canvas, 145.5 × 112.0 cm

비밀스런 만남 (A Secret Meeting), 2011, watercolor on canvas, 90 x 90 cm

별이 유난히도 반짝거렸던 밤, 2011, watercolor on canvas, 80.3 x 65.0 cm

하얀 꾀, 2011, watercolor on canvas, 60.5 x 60.5 cm

늑대는 더 이상 그곳에 나타나지 않았습니다 (No More Wolves Showed Up There), 2011, watercolor on canvas, 72.7 x 60.6 cm

끝없이 갈라진 길 (Road to Endless Opposites), 2011, watercolor on canvas, 80.3 x 60.6 cm

하이얀 밤, 2011, acrylic on canvas, 116.8 x 91.0 cm

숲속에서 누군가 뛰어오는 소리가 들렸습니다, 2011, watercolor on canvas, 145.5 x 112.0 cm

만족스러운 결말 (A Gratifying Ending), 2011, watercolor on canvas, 72.7 x 91.0 cm

Untitled, 2011, oil on canvas, 116.8 x 91.0 cm

Untitled, 2010, watercolor on canvas, 91 × 65 cm

끝없이 갈라진 길 _______Road to Endless Opposites

전현선의 작업은 유년기에 가졌던 여러 가지 궁금함 속에 담겨 있는 순수한 감성과 상상력을 회화적 시각언어로 옮기려는 시도이다. 이를 위해 전현선은 자신의 작업에 동화 속 캐릭터를 끌어들이는데, 이것은 유년기의 기억 중 비교적 구체적으로 남아 있는 지점에 주목하여 생각의 전개에 관한 실마리를 찾으려 하는 것으로 여겨진다.

성장과 교육은 경험의 축적과 함께 우리의 지적인 의문을 점점 더 구체적인 것으로 향하게 한다. 한편, 문명과 문화의 발전 역시 끊임없이 구체적 대상이 되는 무엇인가를 지칭하는 새로운 명사를 만들어 내며, 소통의 대가(代價)로 우리에게 그것을 습득할 것을 강요한다. 하지만 우리의 언어는 지식이 쌓일수록 소통과 관련한 한계의 선을 긋는데, 그것은 전문성에 관한 공유의 전제에 관련한다. 그것은 지식이 쌓여 빛을 발할수록 해결된 문제의 답이 명료함을 갖기보다는 오히려 그 주변으로부터 뻗어 나온 가지의 모습으로 얼기설기 엮여 표현의 한계를 묻고 있는 모습처럼 보인다.

전현선은 회화적 시각언어를 통한 소통의 방법으로 우리의 의문과 관련한 답이 보편성을 갖고 소통의 제한을 풀 수 있기를 바라고 있다. 그것은 인상의 구조에 관한 탐구라 할 수 있다.

작가의 방법은 동화 속의 캐릭터에 관한 장면의 재구성으로부터 시작되는데, 동화 속의 등장인물은 그 본래의 역할 또는 장면과는 다른 낯선 장면을 연출한다. 동화 속에서 인자함과 위협적인 존재로서 선악의 대립적 구도를 대표하는 대신 할머니와 늑대는 완고함과 순수함을 보여주는 모호하고 이중적인 역할을 맡고 있다. 본래의 특정한 개성을 지운 캐릭터는 임의의 인물로서 우리 모두의 모습을 대변하는 객체가 된다. 이로써 우리가 갖는 제각기 서로 다른 관심과 의문은 더 큰 범주로 묶여 하나의 큰 틀로서 사고에 관한 경험과 구조로 나타나게 된다.

캔버스에 반복해서 올리는 점과 선은 때로는 구름이 되고 때로는 나무가 되어 또, 그 나뭇가지에 열린 열매가 되고 가지 사이사이로 보이는 별이 되기도 하며 화면 속 등장인물의 주변을 이루는 배경과 상황으로 그림을 채우는 면이 된다.

우리는 특정한 관심분야에 몰입하고 집중하여 더 명백하고 구체적인 해답을 스스로 구하고 그에 따른 의미 있는 의견을 도출하기도 하지만 때로는 살아가는 동안 경험했던 수많은 경험과 타인의 의견, 막연한 상상력, 그리고 꿈속에서 본 환상의 이미지 등을 묶어 불현듯 하나의 영감과 같은 생각을 떠올리기도 한다. 그것은 정리되지 않은 모호함을 하고 있으며, 그 지점 역시 사과가 떨어지는 찰나의 순간처럼 모호하다. 어쩌면 그것은 처음 기억하는 밤하늘의 별빛처럼 가냘프고 희미하지만, 우리의 생각이 절실하게 바라보는 어느 지점일지도 모른다는 생각을 하게 한다.

캔버스에 마지막 올린 점과 그 색은 우리가 찾은 결실의 해답이며 나무에 열린 열매이다. 그 점은 주변의 구성요소와 좀 더 구체적인 관계를 맺으며 자연스럽게 그곳에 열렸다.

처음 캔버스에 찍은 점은 변화의 여지를 가장 많이 가진 색이다. 그리고 그것은 우리가 유년기에 갖은 의문이고 성장과 함께 갖게 된 수많은 생각의 가지 사이로 빛나는 별빛이다. <옆집갤러리>

2012 ND presents

(Manager) — Fri, 23 Mar 2012 15:03:05 +0900

2012 Next Door Presents! _ Part I

3.23 (Fri) - 4.8 (Sun), 2012

김하영, 박혜정, 이현정, 전현선

Artist Bios: Hayoung Kim / Hyejeong Park / Hyunjung Lee / Hyunsun Jeon

Hayoung Kim, 태양을 삼킨 풍선, 2011, acrylic and colored pencil on paper, 25.6 x 76.7 cm

Hayoung Kim, Green Eyed Monster, 2011, acrylic and colored pencil on paper, 53.6 x 24.6 cm

Hayoung Kim, Hippy's Dream, 2012, acrylic and colored pencil on paper, 77 x 77 cm

Hyejeong Park, December, 2010, acrylic on board, 30.5 x 30.5 cm

Hyejeong Park, January, 2010, acrylic on board, 30.5 x 30.5 cm

Hyejeong Park, Prison of Freedom, 2011, acrylic on board, 30.5 x 30.5 cm

Hyunjung Lee, Untitled, 2012, acrylic on canvas, 100 x 100 cm

Hyunsun Jeon, #8, 2011, watercolor on paper, 39.5 x 27.0 cm

Hyunsun Jeon, #1, 2011, watercolor on paper, 39.5 x 27.0 cm

Hyunsun Jeon, #24_둘만의 대화, 2012, watercolor on paper, 54.5 x 53.5 cm

Hyunsun Jeon, 어디선가 갑자기 (Out of Nowhere), 2011, watercolor on canvas, 35.0 x 27.3 cm

김하영 작가의 작품은 무수히 많은 점과 선으로 반복되는 빛의 구성을 가지고 있으며, 그 바탕에는 깊이 있는 색이 있다. 가늠할 수 없는 큰 에너지를 담고 있는 가는 선들은 작은 점으로 응축되는 지점을 만들며 낯선 도형의 모습을 형성하는가 하면 서로 교차되어 지나치며, 확장되는 색의 공간으로 뻗어가기도 한다. 특히 날개의 형상과 같이 추상적으로 만들어진 도형의 모습은 SF 영화 속의 우주스테이션을 연상하게 하며 빛을 발하는데, 마치 별빛이 이어져 만들어진 별자리와 같은 가상선이 공상 속의 인공물을 은유하며 자유를 그려내고 있는 것처럼 보인다. 그것은 존재하지만 보이지 않는 것들 사이에 있는 관계를 보여 그 존재를 알게 하고자 하는 것이다.

박혜정 작가의 그림은 기억을 더듬고 있다. 그동안의 작업이 꿈속에 담긴 환상의 모습을 보여 주었다면, 근래의 신작은 그 꿈을 만들어내는 더 근원적이고 실제적인 심리의 바탕을 보여주는 듯하다. 박혜정의 그림 속에 자주 등장하는 인물은 어디론가 달려가는 소녀의 모습인데, 이전 작품에서 무엇인가를 찾아, 아니 어디론가 향하고 있던 것과는 달리-2010년작 <The Hidden Light I>과 <The Hidden Light II>에서 여인은 깊은 숲을 향하고 있다- 신작에서는 그 대상이나 목적이 모호한 듯하다. 그것은 패턴화된 나무 숲과 건물의 아치 너머로 펼쳐진, 사라진 공백의 배경이 만들어내는 느낌이다. 어쩌면 역전된 해석이 가능할지도 모른다. <The Hidden Light>의 인물이 어스름한 숲속에 있는 정확히 알 수 없는 어떤 것을 향하여 “조심스레” 달려갈 때, 이는 미지의 것에 대한 발견의 기대와 우려를 동시에 내포한다. 이와 달리 <December>와 <A White Building>의 소녀는 더욱 적극적 자세로, 마치 이미 정확히 알고 있던, 하지만 지금은 잃어버린 어떤 대상을 찾아가는 것으로 보인다. 2011년 박혜정의 작업은 상실된 어떤 과거로 향하고 있다. 즉, 이전의 작업이 꿈속의 환상의 모습이었다면, 신작은 그 꿈을 만들어내는, 상실과 부재의 현재에 근접하고 있는 것이다.

이현정 작가의 회화는 검정, 파랑, 빨강의 강렬한 색조를 주조로 한다. 작가는 꾸미고 싶어 하는 치장과 장식의 욕구가 인간 본능의 중요한 한 부분이라고 믿는다. 시대에 따라 꾸밈의 양식이 달라져 왔지만, 이 꾸밈 욕구가 발현되어 인간은 물품 자체의 기능성에 굳이 필요하지 않지만 늘 ‘장식’이라는 행위를 가하게 된다는 것이다. 마치 빅토리안 풍의 호사스러운 가구가 날개 돋친 듯 팔리고, 명품브랜드가 선호되고, 더 화려하고 우아한 장식들을 찾음으로써 자기애(나르시즘)적이든, 과시적이든, 미에 대한 동경이든, 인간은 본연에 내재한 꾸밈의 욕구를 채워나가야만 한다는 것이다. 이현정 작가의 회화는 장식적이지만 또한 장식적인 것에 대한 코멘트를 가지고 있고, 그 장식성은 강렬하면서도 회고적이고 퇴락적인 어떤 시대적 기운을 반영하는 듯하다.

전현선 작가는 이야기 전달의 가능성, 즉 내러티브의 구성을 회화의 범주 안에서 질문하고 있다. 화면 안에 배치된 대상들이 주고받는 시선과 위치에 따른 상호 관계가 어떤 모호함을 창출하면서 이야기를 형성하는 과정을 작업으로 옮긴다. 특히 작가는 어린 시절 읽은 동화에 주목한다. 동화는 인류의 집단적 기억이면서 우의적, 은유적, 환상적인 방법으로 ‘어떻게 행동해야 한다’는 규범적 의무를 부여하는 사회 장치이고, 동화가 취하는 서사구조에는 배경과 인물의 고정적 위치가 있다고 작가는 설명한다. 이 고정적이고 닫힌 요소를 회화를 통해서, 즉 인물과 사물을 회화 속에서 불평형 상태로 위치시키고 우리가 익히 알고 있는 명백한 사건의 일직선적인 진행이 아닌 사건의 전후를 보여주는 듯한 모호의 장치를 통해서 전현선 작가는 새로운 회화의 이야기를 만든다. <옆집갤러리>

정수안 개인전

(Manager) — Thu, 15 Mar 2012 13:20:20 +0900

SPACE PROGRAM

정수안 개인전

생각한다 그리고 존재한다

Solo exhibition by Sue An Jung

04. 14 (SAT) - 04. 23 (MON), 2012.

나갈 수 있을까? 나가야 할까?

어쩔래? I

어쩔래? II

잡념? 관념? I

잡념? 관념? II

실험실 I

실험실 II

실험실 III

Youngwon Jang-Critical Writing

(Manager) — Tue, 21 Feb 2012 11:18:39 +0900

Critical Writing
on the Paintings by Youngwon Jang
장영원 개인전_ Sensory Overload

글: 정상연

푸르스름한 바탕 위를 떠다니는 이미지들은 하나의 부유물 같다. 손으로 움켜쥐려 하면 물컹거리며 내 손가락 사이로 스르르 빠져나갈 것처럼 크고 작은 붓 터치들은 형상 위에 뭉쳐있기도 하고 미끄러지듯이 밀려나가기도 하면서 해체되기도 하고 모아지기도 한다. 그림 하단의 검붉은 막은 마치 막 물위에 떨어진 먹물처럼 순식간에 이미지를 삼킬 것 같은 기세로 아래쪽에 침전돼 있다. 이 어둠이 위를 덮칠지도 모른다는 긴장감은 우리의 시선을 곧 사라질지도 모르는 이 이미지를 조금이라도 더 응시하게 만든다. 떠내려갈 듯 흩어질 듯 캔버스 위에 퍼져있는 형상들은 바로 ‘작가의 기억’이다. 작가의 기억은 이야기로서 나열되는 것이 아니라 기억 속에 자리 잡고 있는 좀 더 날카로운 ‘감각의 기억’을 형상화하고 있다.

장영원의 초반 작업은 자신의 성장기를 차지하고 있는 아버지에 대한 기억에서부터 시작된다. 남자 대 남자로서 거대한 산처럼 느껴지는 그의 기억 속의 아버지는 엄했다. 그의 분노 표출은 불특정적이었으며 순간적이었기 때문에 아버지의 감정 변화는 그에겐 항상 모순덩어리처럼 느껴졌다. 하지만 자신의 모습에서 아버지의 모습이 겹쳐지는 순간 그는 그것을 단지 단순한 감정의 변화로 받아들이지 않고 아버지에게서 느꼈던 기억과 유사한 감정을 회화로 표현하기로 시작한다. 그렇게 시작한 첫 번째 작업이 바로 <그 남자는 거기 없었다>이다.

한 남자가 무엇을 던지려거나 휘두르려는 동작을 네 개의 연속화면으로 표현한 이 작품은 얼굴 위에 그려진 검은 원들 때문에 쉽게 야구 연습장에서 배팅연습을 하는 모습을 떠올리게 한다. 하지만 이 네 개의 불특정 원들이 온전히 얼굴을, 특히 남자의 표정을 가리고 있기 때문에 우리가 읽을 수 있는 것은 왼쪽 첫 번째 인물의 약간 올라간 눈썹 모양으로 그가 무언가를 힘껏 던지려 애쓴다는 것뿐이다. 얼굴은 신체에 있어서 가장 잘 드러나면서도 가장 표현적인 부분이기 때문에 우리는 얼굴 표정만으로도 한 사람의 영혼과 마음의 상태를 짐작할 수 있고 얼굴 자체가 한 사람의 정체성을 인식하는 데 굉장히 중요한 역할을 한다. 하지만 작품 속 인물은 이런 결정적 부분을 검고 둥근 형태로 가렸기 때문에 보는 이로 하여금 인물의 표면적 정보를 알아낸다기 보다는 그림의 전체적인 분위기를 살피는 방향으로 우회하게 한다. 작가는 감각의 기억을 떠올리는 데 방해되는 불필요한 요소를 제거해 버림으로써 우리의 시선을 끄는 인상, 얼굴 표현에 집중되는 것이 아니라 오로지 그때, 그 순간을 떠올리게 하는 데만 집중케 한다.

감각의 기억

순간 즉, 이성에서 격한 감정의 상태로 넘어가는 그 순간의 기억을 좀 더 면밀히 분석하기 위해 작가는 영화나 사진에 쓰이는 1초의 연속 촬영기법을 잠시 빌린다. 그럼으로 그의 눈, 그리고 감각이 마치 기계로 촬영된 것처럼 이미지로 구현되고 이 찰나의 시간을 가능한 한 길게 멈추어 놓는다. 작가는 순간의 기억을 위해 타인이 만들어낸 제 3의 이미지에서 자신이 원하는 형상을 뽑아낸다. 예를 들어 영화나 광고 그리고 잡지 이미지 등은 자신이 구현하려는 이미지와 전혀 상관 없지만 ‘그때’를 회상하는 것을 도와줄 이미지로서 사용된다. 선택된 이미지는 그 자체로 활용되는 것이 아니라 보이지 않는 수작업을 거치게 되는데, 캔버스 위로 이미지를 옮기기 전에 컴퓨터 작업을 통해 완벽하게 원하는 형상을 만들어 놓고 그가 찾기로 한 감각의 기억을 축출해 낸다.

작가는 감각의 기억을 떠올리기 위해 자신이 직접 보거나 경험한 이미지에서 출발하지 않는 이유에 대해 이렇게 설명한다. “나는 내 눈을 믿지 않습니다. 사과를 바라봄에도 눈을 감고 상상을 통해 그 ‘사과’를 눈으로 본 것과 같이 상상하면 눈으로 본 것과 다른 사과의 형상만이 기억됩니다. 실제의 사과 껍질의 옹기의 모양조차 기억해내지 못합니다. 상상을 통한 그리기는 나를 더욱더 무력하게 만들 뿐입니다. 그러므로 상상을 통한 형상조차 믿지 않습니다. 단지 나는 내가 기억하고 있는 감각을 믿을 뿐입니다.” 작가는 자신의 눈으로 바라 본 것 그리고 기억 속에 존재하는 상상의 이미지를 믿지 않기 때문에 객관적인 타인의 눈에 의해 실현된 제 3의 이미지에서 감각의 기억에 대한 이미지를 찾는다. 작가가 원하는 그 어떠한 형상을 만들기 위해 눈에 보이지 않는 꼴라주 작업 즉, 편집, 자르기, 오리기, 붙이기 등 혹은 몽타주 기법이 사용된다. 사실 몽타주는 영화 후반작업에서 감독의 예술적 감각을 명확히 드러내기 위해 쓰이는 방식이다. 영상을 통해서 내용을 어떻게 전달하는 가의 문제에 대한 해답이기도 하기 때문에 편집은 시간과 공간을 재편하는 기능뿐만 아니라, 의미마저도 새롭게 생산해 낼 수 있는 수단이다. 작가는 이러한 편집기능을 통해 제 3자의 이미지를 자신의 감각의 기억을 전달하기 위한 도구로 삼고 이 모든 작업들은 감각을 형상화 시키기 위한 작업의 시작점으로 그 감각과 가장 유사한 이미지를 찾아 가장 근접한 형상을 만들어 내는 일을 한다. 그 이미지를 찾아내는 것은 결국 그의 감각이다.

감각의 기록

작가 장영원이 표현하려는 감각 형상의 표현 방법으로 우리는 보는 이로 하여금 자신의 기억과 경험을 기반으로 감상하게 만드는 구상적 이미지보다는 감정에 더 호소하는 추상적 이미지가 더 적합할 것이라고 생각할 수 있다. 추상표현이야 말로 스토리 부분과 배경을 사라지게 함으로써 누구나 쉽게 느낄 수 있는 ‘감(感)’이라는 것을 표현하기에 가장 쉬운 통로라 믿기 때문이다. 더욱이 그가 사용하는 사진 매체는 미술사에서 구상이래 추상이라는 장르를 생성하는 데 가장 결정적 역할을 한 매체이기도 하다. 사진의 발명 이후 많은 작가들은 현실을 객관적으로 재현해내는 사진을 적극적으로 이용하여 사진적인 사실주의를 추구하거나 심지어 사진을 회화 표면에 그대로 가져다 쓰기도 하였다. 반면에 사실적인 재현을 놓고 사진과 힘겨루기를 하는 것은 무의미히다고 판단한 일부 화가들은 사진이 지니지 못하는 회화 고유의 본성을 강조하기 시작했다. 인간의 눈으로는 도저히 포착할 수 없는 물질세계에 대한 새로운 리얼리티를 제시해 준 사진술의 발달과 형태나 시각을 달리해서 보여주는 사진의 다양한 특성들은 회화가 구상성을 벗어나는 데 중요한 도구가 되었다. 이와 같이 사진 같은 기록 매체의 발달은 회화의 입지에 근본적인 변화를 초래했고 이상주의적 색채와 형태가 점차 자연으로부터 해방되어 비 재현적인 추상회화로의 귀결에 무시할 수 없는 역할을 했다. 그 후 사진은 추상과 구상이라는 장르 구분을 위한 명확한 경계선 역할을 감당한다. 많은 작가들은 이러한 사진을 자신의 새로운 예술영역으로 끌어 올리려는 노력을 게을리하지 않았고 그 대표적인 예가 사진을 독특하게 자신의 회화의 표현을 위해 도입한 프란시스 베이컨이다. 그에게 있어서 사진자료는 고갈되지 않는 그림재료였다. 사진은 시간의 ‘셔터’를 충동질하면서 풍부한 이미지의 사전의 요소들과 그 회화임을 강조하는 요소들 사이에서 거리감을 준다고 믿었다.1) 사진은 이미지와 시간의 예술이며 순간의 찰나를 잡아두기 때문에 시작점부터 완성 단계까지 끝임없이 변화 가능한 서술형의 회화와는 달리 찍음과 동시에 이미지와 시간, 이 모든 것을 동시에 기록할 수 있다. 때문에 회화 역시도 사진과 마찬가지로 기록이라는 측면을 중시했다는 점에서 베이컨이 왜 이러한 사진적인 요소를 작업의 일부로 포함시켰는 지를 짐작할 수 있고 이것은 작가 장영원에게도 해당된다. 순간의 찰나를 기록하는 사진과 이 사진을 회화 속으로 끌어들여 사진 이미지의 ‘모방’ 내지는 ‘복사’가 아니라 복제 이미지 속에 존재하는 자신의 ‘실재(reality)’를 추구하기 위한 그의 노력은 사진매체의 특징과 잘 맞아 떨어진다. 또한 감각의 기억을 표현하기 위해 왜 추상보다 구상이 적합한지는 질 들뢰즈의 이론을 바탕으로 설명할 수 있다. 들뢰즈에 따르면 구상화하기(다시 말해 삽화적이면서 서술적인 것)를 추월하는 데는 두 방식이 있다고 설명한다. 그 첫 번째는 추상적인 형태로 향하는 것이고, 다른 하나는 형상으로 향하는 것이다. 형상의 길, 바로 그것에게 세잔은 ‘감각’이라고 하는 간단한 이름을 주었다. 형상은 감각에 결부된 느낄 수 있는 형태이다. 감각은 살의 시스템인 신경 시스템 위에 직접 작용한다. 추상적 형태는 두뇌의 중개에 의하여 움직이기 때문에 뼈에 훨씬 가깝다.2) 그렇기 때문에 신경과 연결되어 있는 ‘살’을 표현하는 것이 감각의 장식적인 효과 밖에 낼 수 없는 추상보다는 온몸의 신경과 연결되어 있는 살의 표현이 더 적합하다는 것이 그의 생각이다. 그의 표현에 따르면 감각이란 것은 쉬운 것, 이미 된 것, 상투적인 것의 반대일 뿐만 아니라, ‘피상적으로 감각적인 것’이나 ‘자발적인 것’과도 반대가 된다. 감각은 주체(신경 시스템, 생명의 움직임, ‘본능’, ‘기질’, 등 자연주의와 세잔 사이의 공통적이 어휘처럼)로 향한 면이 있고, 대상(일, 장소, 사건)으로 향한 면도 있다. 결국은 동일한 신체가 감각을 주고 다시 그 감각을 받는다. 이 신체는 동시에 대상이고 주체이다. 관객으로서 나, 나는 그림 안에 들어감으로써 감각을 느낀다 그럼으로써 느끼는 자와 느껴지는 자의 통일성에 접근한다. 감각이란 빛과 색의 자유롭거나 대상을 떠난 유희 속에 있는 것이 아니라, 반대로 신체 속에 있다. 비록 그 신체가 사과의 신체라 할지라도 상관없다. 색은 신체 속에 있고 감각은 신체 속에 있다. 공중에 있는 것이 아니라 그려지는 것은 감각이다. 그림 속에서 그려지는 것은 신체이다. 그러나 신체는 대상으로서 재현된 것이 아니라, 그러한 감각을 느끼는 자로서 체험된 신체이다.3) 장영원의 회화에서 그려지는 육체는 보편적 존재의 체험과 자기 자신의 삶의 경험이 뒤섞여 있기 때문에 감각을 일깨우는 유일한 대상이며 형태의 일그러짐과 변형은 그러한 감정을 일깨우는 노력이자 수단인 것이다.

감각의 리얼리즘

작가는 감각의 표현 방법으로 본래의 기호가 사라진 이미지 조각들을 이용하여 캔버스 위에 나열이 아닌 조합의 재구성을 통해 자신의 감각 형상에 가장 근접한 형상을 만들어 낸다. 이렇게 조합된 이미지는 또 다시 그에게 감각된 색과 형상에 가까워지기 위해 다시 해체되고 다시 구성된다. 물감이 번지고 떨어지고 기존의 물감 위에 다시 채색되고 또다시 지워진다. 그러한 작업 끝에 형상들은 무너져 내리듯 흘러내리거나, 비어있거나 때로는 뒤 덮인 체 가려지기도 한다. 감각이란 것은 형체를 가지고 있지 않다. 특히 이것이 기억 속의 감각일 때는 더욱 그렇다. 우리는 어떠한 상황을 떠올릴 때 형상으로 기억해 내기 보다는 그 주변의 색깔, 소리, 냄새에 더 민감하게 반응한다. 기억을 이끌어 내는 모든 오감은 신경계와 연결되어 있기 때문에 신경의 기억을 이끌어 내기 위해 작가는 자신의 모든 것을 집중하여 그때의 감각의 기억을 떠올린다. 이를 떠올리기 위해 우리는 정확한 묘사 따위는 필요 없다. 다만 뭉뚱그려진 형상만으로도 우리는 얼마든지 우리가 필요로 하는 것을 얻어낼 수 있다. 결국 이러한 과정은 자신의 감각 형상에 가까워질 수는 있지만 원래 감각 형상은 아니게 된다. 이 작업은 시작에서 완성이라는 개념이 사라지고 과정이 낳은 또 다른 과정에서 끝을 맺게 된다. 마치 이는 하나의 습작들처럼 형상만이 캔버스 위에서 부유하는 느낌을 갖게 되는 것처럼 보인다. 마치 기억나기 직전 혹은 아른거리는 기억의 형상을 잡으려 하는 듯한 모습처럼 말이다. 이 모든 겹겹이 쌓여지는 붓 자국들은 결국 작가가 자신의 감각의 기억을 더듬어가는 하나의 방법이라고 할 수 있고 이는 인상파의 사실주의를 추진시켜 단순한 시각적, 현상적 사실에서 다시 근본적인 물체의 파악, 즉 자연의 형태가 숨기고 있는 내적 생명을 묘사하는 데 목적을 둔 세잔의 붓터치와 비교될 수 있다.

세잔은 스펙트럼의 일곱 가지 색깔만을 사용하여 마침내 대상의 ‘고유한 색조’(ton local)를 파괴하는 인상파 화가들과는 달리 일곱 가지 이외의 색들, 예컨대 검은색, 황갈색, 황토색 등을 자신의 팔레트 위에 올려 놓고 그들이 침몰시켰다고 생각한 대상자체의 고유한 중량감과 색을 살려냄으로써 대상자체로 더욱 접근하려 시도했다.4) ‘가시적인 세계에 대한 집착’은 그를 인상주의 미학으로부터 완전히 떠날 수 없게 만들었으나 그러한 상황 때문에 그의 그림은 동시대의 사람들에겐 역설적으로 보일 수밖에 없었다. 왜냐하면 세잔은 감각을 떠나지 않은 채 오직 자연에 대한 직접적인 인상에 따라, 형태나 색채를 둘러싸는 ‘윤곽선’이나 ‘원근법’과 같은 회화적 배열도 없이, 하지만 그러면서도 ‘리얼리티’를 추구하려 했기 때문이다.5) 세잔의 색채와 붓 터치는 자신이 보고 있는 것에 대한 감각의 표현임과 동시에 우리의 머릿 속에 자리잡고 있는 대상의 본질을 걸러내는 많은 관습과 규약에 대한 저항인 것이다. 그의 붓 터치 하나 하나는 바로 진실로 가려는 노력이고 이 방법은 작가 장영원의 회화에서 비슷한 경향으로 다시 나타난다. 사건이 발생된 시점에서 일어난 감각활동은 때로는 색으로 뒤덮이거나, 영상처럼 기억 저편에서 뚜렷하게 보이기도 하고 작가가 가지고 있는 감각 체계를 무너뜨린다. 사건의 발생과 함께 느껴졌던 그 감각은 사라지고 점차적으로 아련하고 공허한 감각 형상으로만 남게 된다. 작가는 사건이 발생됐을 때 느꼈던 감각의 색을 기억하려고 노력하고 그러한 감각과 가장 닮은 형상을 그려내기 위하여 많은 붓 자국을 표면 위에 중첩시키고 또 중첩시킨다. 수많은 붓 자국으로 이루어진 그의 작품에서 ‘즉각성’이란 없다. 그의 한겹 한겹의 붓 터치가 바로 감각의 기억을 떠올리게하는 통로이기 때문이다. 이러한 그리는 행위를 통해서 작가는 그의 기억을 형성시키는 그만의 리얼리즘을 완성한다.

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1) 크리스토프 도미노 (성기완 역), 베이컨: 회화의 괴물, 시공사, 서울, 2001, p. 63.
2) 질 들뢰즈(하태환 역), 감각의 논리(Francis bacon: logique de la sensation), 민음사, 서울, 2008, p. 47.
3) Ibid, p. 48.
4) M. Merleau Ponty, « Le Doute de Cézanne » in Sens et Non-sens, Nagel, Paris, 1966, p.20.
5) Ibid, p. 21.

Sensory Overload

(Manager) — Thu, 19 Jan 2012 23:16:56 +0900

Youngwon Jang

Sensory Overload

2012. 3.1 - 3.17
Reception: Friday, March 2, 5-8 pm

Artist bio Critical writing

37.2℃ Blue, 2011, oil on linen, 91.0 x 116.8 cm

첫사랑은 죽었다, 2012, oil on linen, 130.3 x 193.9 cm

C군의 코스프레, 2011, oil on linen, 145.5 x 112.1 cm

Detail of "The Sound of Silence, 2012"

The Sound of Silence, 2012, oil on linen, 118.5 x 250.0 cm each

A Few Little Pricks (몇번 찔렀을 뿐), 2011, oil on linen, 162.5 x 258.5 cm

L씨의 대인기피, 2012, oil on linen, 72.7 x 90.9 cm

미드나잇 블루스, 2012, oil on linen, 72.7 x 90.9 cm

새벽 2시 45분, 2012, oil on linen, 91.0 x 116.8 cm

장영원의 그림은 ‘감각의 형상’이다. ‘감각’은 예술과 무관했던 그를 이 세계에 발을 딛게 한 동기임과 동시에 풍성한 그림 소재이기도 하다. 감각의 발견은 공대 재학 당시 우연히 펼쳐 든 마크 로스코(Mark Rothko)의 작품집에서부터 시작된다. 이성적 사고를 우위에 둔 공과대에서 합리적 답을 원하는 물리, 화학 실험에 지쳐있었던 그에게 로스코의 색면 추상은 새로운 경험임과 동시에 전에 없던 그의 감각의 일부분을 살짝 들추어내는 계기가 된다. 특히 밝은 시각 효과를 내는 색면을 통하여 신체의 감각을 탐구한 로스코의 작품은 ‘감각의 기억’을 표현하는 장영원의 회화와 묘한 연결고리를 갖는다. 미국 추상표현주의 거장의 감각 탐구의 결과물은 진심으로 무언가에 감동 받았던 기억이 흐릿한 아니 아련한 장영원의 인생에 전환점이 되었고 그후 공대가 아닌 예술이, 차가운 물리, 화학 실험이 아닌 자신의 감각을 연구내지는 분석, 형상화시키는 작가로 거듭나게 한다.

그의 초기 작업은 작가와 직접적인 관계를 맺는 감각들에 대한 표현이라면 현재 진행하고 있는 ‘감각 형상’은 관계성으로 인해 파생되는 감각들까지 모아 재조합하는 형식이다. 그러므로 현재 작업은 과거보다 넓은 의미를 갖게 되는데, 과거에는 직접적인 작가의 기억에 의존해 왔었다면 현재작업은 직접적이면서도 간접적으로 감각되고 사유된 기억에 대한 작업이다. 이것은 작가와 대상이 관계 맺게 되었을 때 발생되는 수많은 감각들을 형상화시키는 것으로 항상 그가 초반 작업부터 이끌어 왔던 ‘감각된’ 감각들을 최대한 끄집어내어 형상화시키는 노력이 수반된다. 대부분의 초기 작업은 초상화의 형식을 띠고 전면을 바라보는 형식을 취하는데, 가운데 둥근 원의 사용은 불완전한 요소로서 비구상적 표현 혹은 기호라고 부를 수 있다. 이것은 작가와 일차적, 직접적인 관계를 맺은 대상의 형상을 의미한다. 안면부에 드러나는 타원형태의 단색 면 사용은 눈, 코, 입 각 기관의 대상을 나타내는 기호의 사라지게 만듦으로써 대상의 정체성을 지우고 작가와 대상의 관계성만이 남게 하려는 의도이다. 하지만 현재의 작업은 그것보다 좀 더 나아가 대상의 기호를 완전히 삭제하여 관계에 대한 감각만을 표현하는 것이 아닌 ‘감각된 기억’까지 끄집어 내는 작업이다. 이것은 일차적 관계를 넘어서는 삼차적 관계에 이르기까지 보다 폭넓게 작가에게 감각되는 것을 표현한다. 즉, ‘작가와 대상의 관계 맺음’이라는 사건을 통해 사유되는 감각에 대해 보다 폭 넓은 감각의 재구성이라고 할 수 있다. 여기서의 감각은 단지 물리적 감각만을 지칭하는 것이 아닌 정신 활동을 통한 감각을 뜻하는데, 작가가 어떠한 일련의 사건 즉, 일상생활에서 매일 같이 부딪히는 사건 중, 예를 들어 사랑하는 사람과의 ‘이별’이라는 사건이 발생하였다면, 이 사건을 통해 발생되는 감각들 슬픔, 처절함, 외로움, 분노, 그리움과 같이 텍스트로 나열하면 수도 없이 많은 단어와 문장으로는 설명 불가능한 감각을 재구성하여 형상화하는 것이다.

‘감각의 재구성’은 공간에서 다시 한 번 이루어진다. 작가는 작업 시작 전에 전시할 갤러리 공간을 측정하고 그에 맞추어 캔버스 사이즈를 결정한다. 이는 캔버스 위에서만이 아니라 공간까지도 감각 형상화의 일부로 삼는 장영원 만의 독특한 방법이라고 할 수 있다. 그는 전체가 모여 그의 ‘감각’을 형성하기 때문에 개별적인 작품 또한 하나의 조각으로 나눠진다고 생각한다. 때문에 여러 작품이 공간 안에 전시 되었을 때 관객은 여러 개의 조각으로 나눠진 작가의 감각 안으로 들어오는 경험을 하게 될 것이고 캔버스 위에서 형상과 기억을 재구성하는 그의 작업은 갤러리 공간에 이어 관객이 전시장 안에 들어 섰을 때 하나 하나의 작품 감상보다도 여러 작품이 모여 공간 안에서 울리는 작품의 공명을 느끼게 만드는 것이다.

글: 정상연 (미술비평가)
Rennes 2 대학 고고미술사학과 졸업, 동대학원 미술사와 미술비평 석사 졸업.
현재 덕수궁미술관 작품해설사로 활동 중

Past Exhibitions_2012

(Manager) — Sat, 07 Jan 2012 16:07:36 +0900

PAST EXHIBITIONS 2012 I 2011 I 2010 I 2009 I 2008

2012

Art Kyoto 2012_ 04/27/12 - 04/29/12_ info
Hyunsun Jeon, Hayoung Kim, Hyejeong Park

2012 Next Door Presents! (PART I)_ 03/23/12 - 04/08/12_ press and images
Hayoung Kim, Hyejeong Park, Hyunjung Lee, Hyunsun Jeon

Youngwon Jang: Sensory Overload_ 03/01/12 - 03/17/12_ press and images

Building a Castle of Sand (Or, Breaking It)_ 01/26/12 - 02/12/12_ press and images
Hisashi Kurachi, Ayako Kurihara, Nobuyuki Osaki, Noriyori Shirakawa

Another Voice_ 01/04/12 - 01/17/12_ press and images
김동욱, 김옥선, 안옥현, 윤정미, 이선민

Reviews and News_1

(Manager) — Sat, 07 Jan 2012 15:53:51 +0900

REVIEWS & NEWS 1 / 2 / 3 / 4

Artist Interview _ Hyunsun Jeon

우리는 가끔 동화 속에서 길을 잃지_작가 전현선
옆집갤러리 <Road to Endless Opposites>전, 2012. 5.4-5.22

기사링크_ link to the article

[대학내일=유수빈 학생리포터] ● Q: 첫 개인전 <Road to Endless Opposites>이 열립니다. 소감이 어떠세요? 전시 제목은 어떤 의미인가요? A: 오랫동안 표현하려고 애쓴 무언가를 사람들에게 공식적으로 보여주는 자리라 긴장되고 설레요. 작품을 모아 보여줬을 때 제가 표현하고자 하는 바에 사람들이 얼마나 공감하고 감성을 공유할지도 궁금합니다. 전시 제목 <끝없이 갈라진 길>은 한 인물의 분리된 자아가 다른 방향으로 걸어나가는 풍경을 형상화한 작품의 이름을 따서 지었어요. 한 사람은 동화 속 착한 할머니이고 다른 사람은 검은 망토를 입은 무서운 할머니인데, 둘은 영원한 이별을 경험하지만 같은 방향으로 계속 걸어가고 있습니다. 이 상황을 제게 대입하면, 지금의 내가 한쪽에 있고 유년 시절의 순수한 감성과 상상력을 간직한 내가 다른 편에 있지요. 둘은 헤어져 두 갈래로 난 길을 걸어가죠. 예전처럼 만날 수 없지만, 자신과 비슷한 속도로 길을 걸어가는 상대의 모습을 바라볼 수 있습니다. 헤어졌지만 함께임을 느끼는 상황을 암시하고자 전시 제목으로 사용하게 되었습니다. ● Q: 작품을 보고 동화 ‘빨간 모자’가 떠올랐어요. 왜 ‘빨간 모자’를 고르셨나요? 동화를 테마로 작업하는 이유도 궁금합니다. A: 유년 시절에 가졌던 순수함을 되찾기 위함이었어요. 다른 좋은 통로가 생기면 옮겨 갈 수도 있겠죠. ‘빨간 모자’여야만 했던 이유는 없어요. 어른이 된 후에 다시 읽었는데, 알고 있던 것과 다르게 생소했고, 미심쩍은 부분도 보였어요. 옛날에는 할머니와 소녀와 사냥꾼은 착한 인물이고, 늑대는 당연히 벌을 받아야 하는 나쁜 인물이라고 생각했지만, 다시 읽어 보니 어린 시절에 내린 확고한 판단이 흐려지더라고요. 이런 부분에 흥미가 생겨서 작업을 시작했습니다. 빨간 모자 소녀는 저와 동일시하는 존재예요. 객체가 아니라 주체죠. 자연히 작품은 소녀의 시점에서 할머니와 늑대를 바라보죠. 소녀는 그리는 사람(나)인 동시에 작품을 감상하는 이를 대변하므로 작품 속에 자주 등장하지 않고요. ● Q: 작품 사이에 서사적인 흐름이 있는 것 같아요. 내용이 이어지는 연작인가요? A: 줄거리를 정한 것은 아니지만, 작품마다 들어 있는 단편적인 서사가 모여 큰 이야기를 형성할 거라고는 어렴풋이 예상했어요. 장면은 동화에서 인상적인 부분을 취한 것도 있고, 즉흥적으로 떠오르는 이미지를 옮기기도 합니다. ● Q: 이국적인 느낌이 들어서 ‘콩쥐팥쥐’ 같은 한국 전래동화를 소재 삼아 그려도 재밌을 것 같아요. A: 그런 이야기를 많이 들었어요. 어려서부터 읽어 친숙한 ‘빨간 모자’ ‘헨젤과 그레텔’과 같은 외국 동화가 제가 지금 이미지를 형성하는 데에 큰 영향을 끼쳤다고 생각해요. 거의 최초로 접한 이미지와 이야기니까요. 이런 이유로 자연스럽게 제 작품이 이국적인 느낌을 띠는 것 같아요. 이번 개인전이 끝나면 우리나라 전래동화도 재해석해보고 작업으로 끌고 나갈 생각입니다. ● Q: 졸업 전인데 아트페어, 단체전, 개인전 등 작가로서의 입지를 넓혀가고 있어요. 작가를 꿈꾸지만 막막한 이들에게 팁을 공유해주신다면? A: 아직 학생이고, 조언할 단계는 아니지만, (웃음) 작가로 살아가야겠다는 확신이 들었다면, 돈을 벌 생각은 어느 정도 포기하고 순수한 열정으로 작업을 해나가야 하는 건 분명해요. 작년에 ‘내가 정말 작가가 되고 싶은지, 어떤 방향을 원하는지’ 구체적으로 알고 싶어서 휴학했어요. 작업하면서 알아보니 갤러리에서 공모전을 하더라고요. 그동안의 작업을 포트폴리오로 잘 정리해서 여러 공모전에 내보고, 자신과 잘 맞는 갤러리를 찾는다면 작가로서 좋은 출발점에 설 수 있지 않을까요? 친구들끼리 마음이 맞으면 스스로 전시를 기획할 수도 있고요. 자기 색깔을 가지고 있고 그것에 대한 확신만 있으면 공간은 얼마든지 구할 수 있어요. ● Q: 올해의 계획을 들려주세요. A: 작업을 열심히 하는 것이 가장 큰 계획입니다. 전시는 사람들과 소통할 수 있는 가장 좋은 기회인 것 같아요. 제 신념을 가지고 작업을 해나가는 것도 중요하지만, 전시하면서 사람들의 반응을 참고하는 것도 그 못지않게 중요한 것 같아요. 사람들에게 조금 더 공감을 얻을 수 있는 작업 방향을 찾으면 좋겠습니다. <대학내일> 제 608호 Art

Exhibition Reviewㅣ <article> magazineㅣ 2012-4

감각의 재구성: <Sensory Overload> 장영원 개인전

3.1-3.17 / 옆집갤러리

푸른 수조처럼 보이는 캔버스 안, 경계가 일그러진 얼굴들이 물속에 떠다니는 듯 관람자를 응시하고 있다. 누구의 얼굴인지는 중요하지 않다. 다만 작가는 자신에게 봉인된 감각의 기억을 전하고자 싶을 뿐이다. 작가 장영원은 감각의 발견을 형상으로 담아내는 시도를 한다. 여기서의 감각은 단지 물리적 감각만을 지칭하는 것이 아닌 정신 활동을 통한 감각을 뜻한다. 일례로 작가가 어떠한 일련의 사건 즉, 일상 생활에서 매일 같이 부딪히는 사건 가운데 사랑하는 사람과의 ‘이별’이라는 아픔이 발생하였다면, 이 흔적을 통해 발생되는 감각들 슬픔, 처절함, 외로움, 분노, 그리움과 같이 텍스트로 나열하면 수도 없이 많은 단어와 문장으로는 설명 불가능한 감각을 상상이 아닌 기억에 의존하여 재구성하여 형상화한다는 것이다. ● 그의 초기 작업은 이러했다. 자신의 성장기를 차지하고 있는 아버지에 대한 불편한 기억이 기억 속의 아버지를 거대한 산처럼 느껴지게 하였고 자신의 모습에서 아버지의 모습이 겹쳐지는 걸 발견한 순간 작가는 구멍 뚫린 얼굴을 그리기 시작했다. 직접적인 경험 혹은 관계를 맺은 감각들을 마치 구멍이 뚫린 듯 얼굴을 지운 초상화에 넣어 대상의 정체성을 지우고 작가와 대상의 관계성만이 남게 하려는 의도였다. 하지만 지금의 작업은 그보다 한 단계 나아가 지우려는 노력이 아닌 관계성으로 인해 파생되는 다른 감각들의 기억까지 모아 재조합을 시도하며 꺼내는 작업이다. ● 이러한 ‘감각의 재구성’은 공간에서 다시 한 번 이루어진다. 작가는 작업 시작 전에 전시할 갤러리 공간을 측정하고 그에 맞추어 캔버스 사이즈를 결정한다. 개별적인 작품 또한 하나의 조각된 감각이기 때문에 여러 작품이 공간 안에 전시된 공간에 들어선 관객은 여러 개의 조각으로 나눠진 작가의 감각 안으로 들어오는 경험을 하게 될 것이고 이는 결국 작가의 감각 전체에 동승하게 만들고자 하는 의도가 숨어 있다. - article #9, p.165

Exhibition News

불확실성, 환영성에 대한 고찰

<민중의 소리> 2012-01-24 이동권 기자 su@vop.co.kr

아이치현립예술대학 출신의 작가, 현재 교원으로 학생을 지도하는 작가 4인의 작품을 소개하는 전시 '모래성을 쌓는 일, 혹은 무너뜨리는 일'전이 오는 26일부터 옆집갤러리에서 열린다. ● 이번 전시는 도쿄 위주로 치우치기 쉬운 일본현대미술을 보다 다양한 측면에서 바라보고자 하는데 의미가 있다. 또 미술을 통해 한일간의 문화교류의 새로운 채널을 여는 계기가 될 것으로도 기대된다. ● 아이치현립예술대학은 나고야시 근교에 위치하고 있으며, 1966년 설립 이래 일본을 대표하는 예술종합대학의 하나로서 중요한 역할을 해왔다. 미술 분야에서는 국제적으로 활약하는 나라 요시토모, 토야 시게오 등을 비롯해 많은 아티스트들을 배출했다. ● 이번 전시는 표면상으로 나타나는 것, 손으로 만질 수 있는 것의 불확실성과 환영성에 대해 고찰하면서 '모래성'으로 표현했다. ● 다시 말하면 모래사장에 만들어진 정교한 성을 우리들은 '성'이라고 부르는 것에 어색함을 느끼지 않지만, 이것은 우리들의 지각과 지식, 그리고 상상력의 힘을 빌린 인식에 불과한 점을 관람객들에게 느끼게 한다. ● 참여작가는 구라치 히사시(Hisashi Kurachi), 구리하라 아야코(Ayako Kurihara), 시라카와 노리요리(Noriyori Shirakawa), 오오사키 노부유키(Nobuyuki Osaki)다.● 구라치 히사시는 독특한 모양의 기계, 사람, 동물 등을 미묘한 흑백톤을 이용한 판화로 제작한다. 초현실주의적인 분위기를 자아내는 구라치의 작품은 판화와 사진의 경계를 넘나든다. ● 구리하라 아야코는 회화, 사진, 퍼포먼스, 설치의 다양한 장르를 넘나드는 작가다. 본 전시에 선보이는 'Pictures(회화)' 시리즈에서 작가는 실제 생화와 그려진 꽃을 한 화면 안에 배치한다. ● 판화를 전공한 오오사키 노부유키는 회화, 비디오, 사진, 설치 등의 다양한 작업을 해왔다. 최근 일본 및 해외에서 널리 평가받고 있는 'Dissolving Drawing(사라지는 드로잉)'이라는 비디오 설치 작품에서 작가는 점차 녹아 사라지는 드로잉을 소개한다. ● 템페라 등 회화의 재료와 테크닉에 큰 관심을 가지고 있는 시라카와 노리요리는 빛과 기억의 관계를 정교하고도 상징적으로 표현하는 작품을 선보인다. 고대의 이야기와 신화에서 이미지가 종종 차용된다. ● 한편 26일 오후 5시부터 열리는 오프닝 행사에는 이들 작가들이 자신의 작품을 설명하는 시간을 갖는다. 아울러 전시 중에 심포지엄, 강의 프로그램을 진행해 한일 양국의 작가들이 서로 교류하는 자리도 마련된다.

Exhibition News

한국 현대사진의 현주소 보여주는 ‘또 다른 목소리’ 展
종로구 소재 갤러리 나우-옆집 갤러리-가비 갤러리 동시 개최

[유니온프레스=이혜원 기자] 한국 현대 사진의 다양한 면모를 보여주는 큰 규모의 전시가 열린다. 사진 애호가라면 눈여겨 볼 만하다. ● <또 다른 목소리> 展이 오는 2012년 1월 4일부터 17일까지 종로구 갤러리 나우(관훈동), 옆집갤러리(창성동), 가비갤러리(화동)에서 동시에 진행된다. ● 15년 이상 꾸준히 작업해 온 작가들의 사진을 선보이는 이번 전시는 동시대 한국현대 사진의 다양한 담론을 풀어놓는 장이다. 각각의 작가들은 주제나 미학적 측면에서 매우 다른 성향을 지니고 있으나 이들 작품을 한 자리에 모아 고민할 수 있는 자리를 마련한다는 점에서 의의를 찾을 수 있다. ● 첫 번째 섹션 ‘진화하는 풍경’(갤러리 나우)에서는 김영길, 김형섭, 엄효용, 윤진영, 이원철, 이정록, 이주형, 최원진의 작품을 선보이며 두 번째 섹션 ‘일상의 기술’(옆집 갤러리)에서는 김동욱, 김옥선, 안옥현, 이선민, 윤정미의 작품을, 세 번째 섹션 ‘그들이 사는 세상’(가비 갤러리)에서는 노정하, 박홍순, 방병상, 전은선, 주상연의 작품이 전시된다. ● 한편, 손영실 교수(경일대 사진영상학부)는 “이번 전시는 아날로그에서 디지털 시대로의 전이를 경험하며 성장한 작가들의 작품을 볼 수 있는 자리”라며 “한국 현대사진의 진행형 담론을 생각해 보게 만드는 동시에 또 하나의 지표를 제시할 것으로 기대된다”고 말했다. <유니온프레스> 2011-12-26

Building a Castle of Sand- resumes

(Manager) — Mon, 02 Jan 2012 12:17:35 +0900

Building a Castle of Sand (Or, Breaking It)
__________모래성을 쌓는 일, 혹은 무너뜨리는 일
Art from Aichi, Japan

2012. 1. 26 - 2. 12

Opening and Artist Talk: Thursday, January 26, 5-8 pm
**오프닝 (1월 26일, 목, 5-8시) 중에 구라치 히사시, 구리하라 아야코,
시라카와 노리요리, 오오사키 노부유키 작가 4인의 작품설명 시간이
마련되어 있습니다. **

Featuring the work of Hisashi Kurachi, Ayako Kurihara,
Nobuyuki Osaki, and Noriyori Shirakawa
Guest Curated by Akikazu Harada Back to Press/ Images

Hisashi Kurachi (倉地比沙支)
Born in Nagoya in 1961, currently lives and works in Aichi, Japan

Education
1984 BFA, Department of Oil Painting, Aichi Prefectural University of Fine Arts and Music
1986 MFA, Department of Oil Painting, Aichi Prefectural University of Fine Arts and Music

Selected Solo Exhibitions
1985    Gallery Hakuzen, Nagoya
1988    Gallery Surugadai, Tokyo
1989    Gallery Garandou, Nagoya
1994    Gallery Art Box, Tokyo
1994    Gallery Shin, Tokyo
1995    Gallery Garandou, Nagoya
1996    Gallery Shin, Tokyo
1997 Gallery Tomy, Tokyo
1998 Gallery Shibata, Tokyo
1998    Gallery Garandou, Nagoya
2000    Gallery Garandou, Nagoya
2003    Gallery Shibata, Tokyo
2004    Gallery Garandou, Nagoya
2004    Exhibition of Hisashi Kurachi, Oguchi Historical Folk Museum, Oguchi Town, Aichi
2007    Gallery Garandou, Nagoya

Selected Group Exhibitions
2001    J:Mai Japan-Magyar Grafika, Pecsi Gareria, Hungary
2001 VI. International Biennial Gyor, Varosi Museum, Hungary
2002    The 5th Kochi International Triennial Exhibition of Prints, Ino-cho Paper Museum, Kochi
2002    Seoul International Print Biennale, Seoul, Korea
2002    A Hatodik Mai Japan-Magyar Grafikai Kiallitas, Foyer Gallery at Kamiyamada Culture Hall, Chikuma, Nagano
2004    Contemporary Printmaking Exhibition, Kurobe City Art Museum, Kurobe, Toyama
2005    Current of the Contemporary Prints, Machida City Museum of Graphic Arts, Tokyo / Matsumoto City Museum, Matsumoto
2006    Aichi Silpakorn Exchange Art Exhibition, Center Gallery Silpakorn University, Bangkok, Thailand
2007    Show me THAI, Tokyo Contemporary Art Museum, Tokyo
2008    MAXI GRAPHICA Final Destinations, Kyoto Municipal Museum of Art, Kyoto
2009    Double Diablerie” Artist in Residence, E.C.A, Edinburgh, UK
2009    AICHI ART-NO-MORI, Warehouse of Horikawa, Nagoya
2011    Building a Castle of Sand (Or, Breaking It), Next Door Gallery, Seoul, Korea

Awards
1994    Prize-Winner, The Hanga Annual
1999    Triennial Prize, 12th Norwegian Print Triennial, Norway
1999    Silver Medal, The 9th Taiwan International Biennial Print and Drawing Exhibition, Taipei Museum, Taipei, Taiwan
2005    Epson Prize, Epson Color Imaging Award 2005, Tokyo
2006    Rector of the Academy of Fine Arts in Warsaw Prize, International Print Triennial Krakow
2007    Nagoya City Art Recommendation Prizes
2007    Special Prize, Sprit Graphic Biennial, Croatia
2009    Excellent Prize, 2nd Bangkok Triennial

Collections: Materials Museum of Aichi Prefectural University of Fine Arts and Music, Machida City Museum of Graphic Arts,
Museum of Kitanotani (Chiba), Tikotin Museum (Israel), Taipei Fine Arts Museum, 12th Norwegian Print Triennial, Kurobe City Art Museum (Kurobe, Toyama), Oguchi Historical Folk Museum (Oguchi Town, Aichi), Dacca University (Dacca, Bangladesh), Silpakorn University (Bangkok), Academy of Fine Arts in Warsaw (Poland), Fuso Town Cultural Hall (Aichi)

Ayako Kurihara (栗原亜也子)
Born in Yokohama in 1974, currently lives and works in Yokohama

Education
1999 BFA in Oil Painting, Aichi Prefectural University of Fine Arts and Music

Selected Solo Exhibitions
2006    Mind Games, BankART Studio NYK, Yokohama
2007    New Map, BankART Studio NYK, Yokohama
2007    Untitled/ Ayako Kurihara, Gallery Maki, Tokyo
2007/8 Open Studio:Ayako Kurihara Project Room, BankART Studio NYK, Yokohama
2009    fiction/error, Gallery Maki, Tokyo
2009    Open Studio: Mind Games 2009 in Sakuraso, BankART Sakuraro, Yokohama
2010    Open Studio: Mind Games 2010, BankART Studio NYK, Yokohama
2010    Pictures, Edwin R. Molenaar Atelier, Yokohama
2011    Conversation with Mr. H, Demado Contemporary Art Project, Kyoto

Selected Group Exhibitions
1997    Battadofu- Rolling Library, Nagoya City Midori Library, Nagoya
2007    CET07 - Central East Tokyo 07, Taigaku Bldg., Tokyo
2007    Light Room vol.4 - Yamate No.111 Library Exhibition, Yamate No.111, Yokohama
2007    Open Studio: Atelier Gake + Kotori Cafe, Atelier Gake, Yokosuka
2008    Self Portrait, Gallery Sakamaki, Tokyo
2008    Blue Dot Asia, Seoul Arts Center, Seoul, Korea
2008    Food and Contemporary Art part 4 (Yokohama Geijutsu Noren-gai), BankART 1929 Yokohama / Iseya, Yokohama
2008    Open Studio: Atelier Gake + Kotori Cafe + Oto, Atelier Gake, Yokosuka
2011    Building a Castle of Sand (Or, Breaking It), Next Door Gallery, Seoul, Korea

Collaborations/ Projects
2011    Video projection work for theatrical performance “Rose: A Woman’s Life”
   Video projection work for oriental dance show “Love”
   Performance “Mind Games 2011 vol.2 Conversation with Kanako Nagai”

Nobuyuki Osaki (大崎のぶゆき)
Born in Osaka in 1975, currently lives and works in Aichi

Education
1998    BFA, Print Making Department, Kyoto City University of Arts
2000    MFA, Kyoto City University of Arts

Selected Solo Exhibitions
2001    Between Inside and Outside, Galerie 16, Kyoto / Inart Gallery, Osaka
2002    Distance of Interval, O-Gallery eyes, Osaka / O-Gallery U.Ps, Tokyo
2003    Cutaneous Respiration, Osaka Contemporary Art Center
2003    Distance of Interval, CAI, Hamburg
2003    Between Inside and Outside, Kunstraum, Dusseldorf
2004    Landscape, Luce Verde Open Space, Ehime
2004    Skin of Images, Gallery Jin,Tokyo
2007    Meltdown on the Reality, Gallery Jin,Tokyo
2008    Phantom, Galerie 16, Kyoto
2008    Meltdown, Kyoto Art Center
2009    Phantom-water Drawing, Mikiko Sato Gallery, Hamburg
2010    Dimension Wall, Gallery Hosokawa, Osaka
2010    Falls, Yuka Contemporary, Tokyo
2010    Portraits of Mirror, Standing Pine Cube, Nagoya

Selected Group Exhibitions
1998 PRINTS 10, City Gallery I.M.,Osaka
1998    Prints Artist of the New Generation '98, Gallery Coco, Kyoto
1998    KAVC Art Annual-Thinking of Photo Images, KAVC, Kobe
2001    Nomart Projects 2001 - Image on Image, Nomart Editions Project Space, Osaka
2001    PRIMARY STATEMENT, O-Gallery eyes,Osaka
2002    ISEA2002 Mediaselect Program-The immortal space, Nagoya Citizens Gallery Yada, Nagoya
2002    Selected Artists in Kyoto-2002, The Museum of Kyoto, Kyoto
2004    Power of Printmaking, The Museum of Kyoto, Kyoto
2005    Masterpieces from the Permanent Collection I: The Seeing ‘I’, Kyoto Municipal Museum of Art, Kyoto
2005    Enhanced Organism, CASO, Osaka
2006    Dream of Dreaming, Gallery Raku, Kyoto
2007    5-7-5, Kunsthaus, Hamburg
2007    Re-Act, Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Hiroshima
2007    Distance of Printmaking, Kyoto Art Center, Kyoto
2009    12th Japan Media Arts Festival, The National Art Center, Tokyo
2009    Exotic, Aichi Children's Center, Aichi
2010    AICHI GEEN, Aichi Prefectural University of Fine Arts and Music University Art Museum, Aichi
2010    volatilecolors, Masayoshi Suzuki Gallery, Okazaki, Aichi
2010    Aichi ART no Mori, Toyo Logistics Tenant Building, Nagoya
2011    Haut. Mythos und Medium, Kunsthaus Hamburg
2011    TOUGEN, Masayoshi Suzuki Gallery, Okazaki, Aichi
2011    Building a Castle of Sand (Or, Breaking It), Next Door Gallery, Seoul, Korea

Awards and Grants
1996    Purchase Award at "The 21st Annual Exhibition of The Association of Japanese Art Colleges" (also in 1997, 98 and 99)
1998    Matsubara Award at Exhibition of Kyoto City University of Arts
1998    Suda Prize at "Kyo-ten"
2000    Alumni Association Cultivate Award at Exhibition of Kyoto City University of Arts
2001    Purchase Prize Kyoto Municipal Museum of Art Award at "Kyo-ten"
2001    The 16th Holbein Scholarship Grant
2002    The 4th Art Documents Support Program by Shiseido Co.,Ltd.
2003    Osaka Prefectural Government's Artist-in-Residence Program "ART-EX"
2008    Jury Recommended Work at"12th Japan Media Arts Festival"
2008    Art Contest at Kyoto Art Center 2008

Public Collections: Machida City Museum of Print Art (Tokyo), Kyoto Municipal Museum of Art (Kyoto), Kyoto City University of Arts (Kyoto), Sannohe Town Print Workshop (former Sannohe Town Contemporary Print Center, Sannohe Town, Aomori), Sekiguchi Museum (Tokyo)

Noriyori Shirakawa (白河ノリヨリ)
Born in Tokyo in 1969, currently lives and works in Aichi

Education
1993 BFA in oil painting, Tokyo University of the Arts, Tokyo
1995 MFA, Tokyo University of the Arts, Tokyo

Selected Solo Exhibitions
1996    Ginza Surugadai Gallery, Tokyo
1997    Ginza Seigetsudo Gallery, Tokyo
1998    Ginza Seigetsudo Gallery, Tokyo
2004    Gallery Garando, Nagoya
2006    Ginza Goraku Gallery, Tokyo
2010    Gallery Garando, Nagoya

Selected Group Exhibitions
1995    Ginza Seigetsudo Gallery, Tokyo
1997    Shinjuku Zenrosai Hall Gallery Space Zero, Tokyo
2001    ART FORM OF JAPAN, The Suan Dusit Art Gallery, Bangkok
2002    Hasegawa Kukansozo Company, Tokyo
2002    New Traditonal Art, Silpakorn University Art Center, Bangkok
2002    Garando Gallery, Nagoya
2003    Aoi-no-kai, Ginza Surugadai Gallery, Tokyo (also in 2004, 05, 06, 07, 08 and 09)
2003    FIELD OF NOW, Ginza Yokyo Art Hall, Tokyo
2005    Ten by Ten Small Universe, Gallery Alpha, Nagoya
2006    CONNECT [Impression on Paper], Silpakorn University Art Center, Bangkok
2009    Octave, Garando Gallery, Nagoya
2010    Gold Experience, Hyun Gallery, Seoul
2011    JUNINTOIRO, Gallery Garando, Nagoya
2011    Building a Castle of Sand (Or, Breaking It), Next Door Gallery, Seoul, Korea

Collections: Embassy of Peru in Japan (Tokyo)