Next Door Gallery 옆집갤러리

Jimin Yoo - press

(Manager) — Wed, 03 Mar 2010 21:08:39 +0900

Jimin Yoo 유지민

resume/ images/ press

작가노트

나의 드로잉의 시작은 지워지지 않는 분노와 슬픔의 기억을

스스로 이해하고자 하는 의지였다.

다섯평 남짓한 사각의 공간과 새벽녘이 주는 고요함 속,

종이에 연필이 슥삭이는 소리는 내가 할 수 있는 가장 간절한 기도이다.

내 작업은 돌이킴이며 위로이다.

또한 삶의 두려움을 전복시키기 위한 단련이다.

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정서의 리드미컬한 향연은

어디까지를 극으로 해야 옳은 것일까?

아름다움

그 순간의 짜릿함을 사랑하기에는

다음날의 외로움이 나는 두렵다

몽환적 순결이 엷은 막을

언뜻- 들추어낼 때

나는 고개를 흔든다.

혼돈과 몽상 속에 네가 있음은

진작에서부터 알겠지만

진정 너

나를 넘어서는 지속의 열정

고난 속에 돋아난 곧은 빛의 심지

너를 붙잡기 위해서는

심연의 통로로 빠져드는 속도의 제한이 있어야겠다.

Jimin Yoo - resume

(Manager) — Tue, 02 Mar 2010 21:05:30 +0900

Jimin Yoo 유지민

resume/ images/ press

Born in Daegu, Korea
Lives and work in Seoul, Korea

Education

Current MFA Candidate; Oriental painting, Hongik University, Seoul, Korea
2009 BFA; Oriental painting, Hongik University, Seoul, Korea

Solo Exhibitions

2010 Jimin Yoo, Next Door Gallery, Seoul, Korea (*upcoming)

Group Exhibitions

2009 Asian Young Artists Art Festival (ASYAAF), Seoul, Korea
2009 The New Faces at Next Door, Next Door Gallery, Seoul, Korea

Jimin Yoo - images

(Manager) — Tue, 02 Mar 2010 20:42:49 +0900

Jimin Yoo 유지민

resume/ images/ press

utopia record, 2008, pencil and ink on paper, 140 cm in diameter

holy place, 2008, pencil and ink on paper, 95 x 72 cm

king, 2008, pencil and ink on paper, 95 x 72 cm

untitled, 2008, pencil and ink on paper, 22 x 15 cm

untitled, 2009, pencil and ink on paper, 59 x 42 cm

missing, 2008, pencil and ink on paper, 52 x 45 cm

Upcoming

(Manager) — Sun, 20 Dec 2009 15:06:00 +0900

UPCOMING

Jimin Yoo
[ 1st solo exhibition ]

2010. 04. 13(Tue) - 05. 07(Fri)

Opening reception: Tuesday, April 13, 5-8pm

artist bio

For Mom's Prayer, 2010, pencil and ink on paper, 140 cm in diameter

Jungkuk Park: Indifference 2

(Manager) — Mon, 26 Oct 2009 12:27:45 +0900

Indifference 2

New Paintings and Drawings by Jungkuk Park

2009. 11. 18 - 12. 06
Opening reception: Wed. 11. 18, 5-8 pm

artist bio

Indifference Series, 2009, color on Korean paper, 160 x 130 cm

Indifference Series, 2009, color on Korean paper, 70 x 70 cm

Indifference Series, 2009, color on Korean paper, 45 x 53 cm

A Free Bird, 2009, pencil on Korean paper, 48 x 35 cm

Horns, 2009, pencil on Korean paper, 53 x 65 cm

Jungle, 2009, pencil on Korean paper, 48 x 35 cm

Sunshine, 2009, color on Korean paper, 130 x 130 cm

나는 베일을 그린다, 고로 겨우 존재한다.

- 유 경 희 (미술평론가/Ph.D.)

"죽기 전 내 심장을 한 번이라도 볼 수 있을까? 사람은 누구나 자신의 심장을 상상만 하다가 죽는다는 사실을 나는 아네" -1842년 11월 헤겔이 횔덜린에게 보낸 편지 중에서-

"점심식사는 아주 좋았다. 살짝 익힌 달걀 두 개와 기름에 튀긴 감자와 콩을 먹었으니까. 나는 콩을 좋아하지만, 그것들은 메마르다. 나는 마른 콩은 좋아하지 않는다. 그 속엔 생명이 없기 때문이다." -니진스키의 일기 <영혼의 절규> 중에서-

마치 자신이 ‘생명’을 노래해야만 하는 예술가여야 함을 에둘러 직언하는 것으로 시작하는 니진스키의 일기 <영혼의 절규>는 요즘 내가 읽고 있는 책이다. 뒤의 문장이 앞의 문장을 지속적으로 배반하거나 부정하는 형식으로 쓰인 그의 일기는 정신분열적인 동시에 나르시시즘적이고, 자가성애적(auto-eroticism)의 극치였다고 말할 수밖에 없다. 그의 춤처럼 일기는 마치 죽음 충동으로 가기 전 극단의 몸부림에 가까운, 확실히 이드적 파토스의 파열과 같은 느낌이다. 나로서는 니진스키의 파토스적 삶이 너무 강력했고 뜨거웠고 두려웠기 때문에, 그를 만나는 것을 무의식적으로 회피했었던 것 같다. 그런데 그에 대한 나의 선망과 시기에 근간한 회피의 메커니즘은 박정국이라는 작가를 만나면서 대면의 메커니즘으로 바뀌었다. 억압된 것의 귀환! 박정국을 만나면서, 나는 그가 예술가로서의 자신의 의식의 평면성과 메마름 때문에 자괴감 비슷한 증환을 앓고 있다는 생각이 들었다. 그를 만나고 돌아온 날 저녁, 나는 니진스키를 꺼내들었다. 언제부턴지 생겨난 이상한 버릇이다. 그 작가와 전혀 상반되는 글이나 삶을 읽는다는 것! 아마 나의 내부에서 무의식적으로 에너지의 균형을 맞추고 있는 것이리라.

나의 이런 무의식적 행동은 늘 내 말보다 더 많은 말을 해준다. 박정국과 니진스키, 니진스키와 나, 나와 박정국은 ‘객관적 우연’에 의해 지금 이 자리에서 만났다. ‘객관적 우연’이란 어떤 대상을 우연히 선택한 것일지언정 그것은 이미 ‘내적 필연성’이라는 심리적 메커니즘에 의한 것이라는 암시이다. 사실 표면적으로 둘 사이에는 아무 연관성도 없으며, 유사성은 거의 없어 보인다. 니진스키와 박정국은 멀어도 너무 멀다. 그러나 그것은 기우다. 니진스키는 박정국이 억압한 타자이자 소외시킨 얼터에고(alter-ego)일지도 모른다. 아마 박정국도 니진스키의 정신분열적 삶과 예술에 공감할 것이다. 둘이 거울단계로 퇴행하면 한 몸이었을 테니까, 에로틱하게도 말이다.

첫 번째 상상: 나는 내가 무엇을 하는지 모른다.

박정국은 집(화면을 가득 메운 큰 집, 붉은색 집, 창문이 없는 집), 사람(집에서 나온 호스를 든 남자, 양복을 입은 남자, 무엇인가를 심는 여자), 동물(기린, 붉은 발 갈퀴를 가진 새), 녹색식물, 뿔 등을 그린다. 그가 그려내는 장면들은 딱히 아름답지도, 도발적이지도, 충격적이지도 않다. 집들과 등장인물들은 무언가 좀 위축되어 있고, 무엇인가 좀 은폐되어 있다는 느낌이 든다. 아니, 그보다는 낯익은 동시에 낯설다는 느낌이 좀 더 근접한 표현이다. 왜 이런 느낌이 드는 걸까? 여기에서 우리는 편안하고 따스한 의미였던 집(homely)이 어느 순간 비밀스럽고 감춰진 것이자 공포스러운 ‘집 같지 않은 집’(unhomely)으로 바뀔 수 있다는 점을 상기할 필요가 있다. 1)

이처럼 박정국이 만들어내는 집은 동전의 양면 같은 두 가지 메타포를 동시에 지닌다. 집의 외부(혹은 외양)는 아버지의 법과 질서로 세워진 상징계적(초자아적) 삶을 대변하는 동시에, 집의 내부는 상징계로 오기 위해 억압해야만 했던, 어머니와 나의 구분이 없었던 평화롭고 행복했던 상상계를 의미하는 것이다. 집의 외부는 빈틈없이 깨끗하고, 딱딱하고 건조하며, 질서정연하고, 때론 상상계의 구멍조차 허용하질 않을 정도로, 출입구가 없거나 작으며, 게다가 창문조차 막혀있을 경우가 있다. 다시 말해 집은 법과 사회와 제도에 순응해야하는 억압된 작가의 자의식을 드러내는 동시에, 그 집 자체는 하나의 덩어리로서, 작가가 근본적으로 회귀하고자 하는 코라(chora, 일종의 자궁)와 같은 것으로 이해될 수 있다는 뜻이다. 이처럼 박정국에게 집은 상상계와 상징계가 동전의 양면처럼 맞물려 있는 이율배반적인 장소로서 기능한다. 박정국의 작품은 바로 이러한 상상계와 상징계의 경계에서 귀환하는 실재계를 표현하는 것은 아닐까? 더불어 기린(그 기이한 형상으로써 이방인이자 타자인 작가자신의 분신인 것으로 보이는)을 포함한 낯선 등장인물들은 평화로움과 단조로움을 가장한 우리 삶에 문득문득 찾아오는 그림자로서의 죽음, 혼돈, 이방인, 저승사자, 분신, 도플갱어 같은 실재계의 귀환은 아닐까?

두 번째 상상: 무의식적인 것은 반복된다. 2)

박정국의 작품에는 반복적으로 드러나는 집, 강박적으로 선을 긋고, 쌓아 올리는 벽돌로 된 집이 있다. 박정국의 이런 작업양태는 반복강박으로, 그것은 마치 프로이트의 ‘포르트-다(fort-da)’ 게임3)을 연상시킨다. 프로이트는 자신의 18개월 된 손자가 어머니의 부재를 견디는 방법으로 고안해낸 ‘포르트-다’ 놀이를 통해 반복강박의 적절한 실례를 제공한다. 이 놀이는 모든 반복적 표상의 심리적 기초를 보여준다. 이 놀이가 아이에게 엄마의 상실을, 즉 문명이 요구하는 ‘본능의 포기’를 보상해주는 독창적인 수단이다. 이처럼 프로이트가 그저 스쳐 지나치기 쉬운 아이의 게임에서 발견한 것은 어머니의 부재라는 현실을 견디어내는 그들만의 삶의 방식이었다. 프로이트는 이 고통스러운 경험의 반복-아마 작가도 유년시절 이와 같은 경험이 주주 있었던 것으로 보이는데-이 어떻게 하나의 놀이로써 쾌락원칙과 일치될 수 있는지를 묻는다. 그것은 어머니의 떠나감은 즐겁게 돌아올 것에 대한 필수적 예비조치로써 상연되어야 하고, 따라서 그 놀이의 진정한 목적은 바로, 즉 어머니의 즐거운 귀환에 있게 된다는 사실을 말해준다.

따라서 박정국이 강박적으로 벽돌을 쌓고, 집을 만드는 일은, 마치 자신의 고통스러운 체험을 놀이로 바꾸었다는 인상을 주는 것이다. 처음엔 수동적인 경험이 즐거운 것은 아니었지만, 놀이로 반복함으로써 ‘능동적인’ 역할을 취하게 되었다는 것은, 예술의 유희충동에 깔려있기 마련인 들뢰즈적 ‘아이-되기’의 하나의 버전인 셈이다. 그리하여 처음엔 고통스런 반복이었지만, 그것이 다른 종류의 일정량의 쾌락을 부여한다. 즉 어떤 체계에서는 불쾌한 것이 다른 체계에서는 쾌락일 수 있는 것이다. 이로써 반복은 결국 쾌와 불쾌라는 양가적인 감정을 함의한다는 사실을 깨닫게 되는 것이며, 고통스러운 경험의 반복이 어떻게 쾌락원칙과 부합되는가라는 의문은 풀리게 된다.

그렇다면 이러한 반복강박은 무엇을 위해 존재하는가? 그것은 트라우마의 결과로 나타나는 반복적인 꿈에서 보여주듯이, 자아가 과도한 긴장을 제어한 다음, 그것을 ‘파편화’ 시키는 방식으로 해소하려는 시도일 수 있다. 이를테면, 죽음충동4)을 삶충동으로 바꾸는 것과 같은 것이다. 다시 말해 쾌락원칙 너머에는 죽음충동이 있지만, 이 죽음을 지연시키려는 삶본능 때문에 반복강박이 일어나는 것이다. 따라서 반복충동은 죽음본능인 쾌락원칙을 넘어서 존재하는 삶의 본능에 다름 아니다. 우리는 매일 똑같은 일을 반복하며 살아간다. 때로 그것이 힘들고 지루하게 느껴지지만, 막상 죽음이나 위기에 부딪히면, 그 반복이 얼마나 고마운 것이었고, 그 반복 자체가 곧 삶이었음을 깨닫게 되는 것처럼 말이다.

우리 삶은 어머니(대타자)5)를 기다리는 삶이다. 어머니의 몸에서 떨어져 나온 아이는 현실에 적응하면서도 늘 상실한 어머니를 다시 만날 꿈을 포기하지 않는다. 그러나 인간의 공허를 채워줄 것처럼 보이는 어떤 대상도 어머니는 아니다. 오직 죽음만이 공허와 불안과 두려움을 채워줄 수 있을 뿐이다. 프로이트는 <세 상자의 주제>에서 죽음이 마지막 연인이라고 말한다. 그렇다면 태어나서 죽기까지에는 무엇으로 채워져 있는가? 바로 반복이다. 어머니라고 믿는 환상의 대상을 향해 가고 또 가는 반복이 삶이다. 그러한 반복은 어머니 없는 삶을 견디기 위한 방법이다. 그러나 어머니는 영원한 연인의 메타포이자 영원한 갈증, 결코 채워지지도 가질 수도 없는 결여의 메타포이다. 박정국이 그려내는 알 수 없는 집들과 사람과 동물들은 그의 어머니로 대변되는 대타자와의 분리불안 강박을 조심스럽게 드러낸 것이다. 이로써 아무 것도 의미하지 않는 것들이 갑작스럽게 무엇인가를, 하지만 전혀 다른 영역에서 의미를 갖게 되는 것이다.

세 번째 상상: 자! 이제 저 베일을 벗기시오!

박정국은 화면 속에서 지속적으로 어떤 대상을 반복하는 행위를 함으로써 안정감을 성취하는 듯 보인다. 더욱이 화면을 가득 메우고 있는 집을 보면 안도감마저 든다. 그의 벽돌은 하나하나의 포르트-다 게임과 일치하며, 그리하여 탄생한 집은, 실재를 가리는 동시에 가리키고 있다고 할 수 있다. 예컨대, 앤디 워홀의 작품에 나타나는 반복은 (지시대상)의 재현이나 (순수한 이미지, 즉 독립된 기표) 시뮬레이션이라는 의미에서의, 재생산이 아니라는 것이다. 오히려 그의 반복은, 외상적인 것으로써 이해되는 실재적인 것을 가리기 위한(screen) 위한 역할을 하는 동시에 실재를 가리키고(point) 있다고 볼 수 있다. 6)

이와 관련하여, 우선되는 전제는 박정국의 작품을 보고 관자는 그 집 속에 무엇이 들었나를 궁금해 하는 것이며, 왜 집을 그렸을까하는 너무도 상투적인 질문들이다. 이를 설명하기 위해, 제욱시스와 파라시오스의 트롱프뢰이유(눈속임그림) 논쟁을 들여다보자. 이 논쟁의 보편적 진실은 새의 눈을 속인 제욱시스보다 인간의 눈을 속인 파라시오스의 승리에 관한 것이다. 새의 눈을 속인 제욱시스는 의기양양하여 파라시오스에게 “자! 이제 당신 그림을 볼 차례요, 그 커튼을 열어보시오!” 라고 응수한다. 그러나 이 논쟁의 진전된 담론은, 파라시오스가 그린 것이 베일(veil, 장막)이었다는 점, 인간은 베일에 속는다는 점을 드러내는 데 있다. 인간이 베일에 속는다는 점이 우리에게 함의하는 바는 무엇인가? 제욱시스의 트롱프뢰이유는 감각적 의식인 시선의 차원에 호소하는 기호를 바탕으로 동물들을 유혹하는 그림이라면, 파라시오스의 그림은 사람의 욕망을 유혹하는 그림으로써, 구체적인 기호가 아니라 ‘하나의 베일’만을 그림으로써 동료화가인 제욱시스 자신이 그 뒤에 무엇이 있는가를 묻도록 자극하는 그림이라는 의미이다. 라캉에 따르면, 파라시오스의 그림에서는 시선의 시각이 파악할 수 없는 하나의 장막이 ‘응시를 잡는 덫’(a trap for gaze)으로 되었다는 점이다.

이로써 인간이 베일에 속는다는 것이 정확히 드러낸다. 이는 인간이 “그 너머에 무엇이 있을 것이라고 믿는 종”이라는 사실을 알려준다. 그것은 인간이 '오브제 아'(objet a) 즉 환상대상에 속는다는 뜻이다. 만약 파라시오스가 베일을 그리지 않고 다른 어떤 사물, 예컨대 사람이나 꽃과 망치와 같은 정물을 그렸더라면, 제욱시스는 속지 않았을 것이다. 사실 제욱시스의 시선은 그림을 보는 우리들의(아마 지식인) 일반적인 태도를 대변한다. 이 우화는 인간의 환상을 다루고 있는 의미심장한 메타포이다.

물론 박정국의 그림은 눈속임그림(트롱프뢰이유)이 아니다. 박정국의 작품을 보는 관자들은 제욱시스의 제안과는 좀 다르게 “저 집안을 보여주시오. 도대체 저 안에 무엇이 있는지 궁금해 미치겠소!”라고 물을 수 있다는 것이다. 그러나 이것은 얼마나 잘못된 제안인가? 우리의 인식의 수준이 대부분 이렇다. 미하엘 하네케의 <히든>(Cache, 2005)을 보면서, 자꾸 “그런데 범인이 누구지?”라고 묻는 것과 같다. 7) 그 말은 결국, 박정국이 집을 그리지 않고, 꽃이나 나무나 산을 크게 그렸다면, 사람들은 더 이상 그 배후를 캐묻지 않았을 것이라는 점이다. 그가 집이라는 매우 낯익은 동시에 낯선 대상을 그림으로써, 우리로 하여금 그 안에 무엇이 있는지에 대한 궁금증을 불러일으킨 것이다. 어쩌면 집 혹은 벽돌이라는 베일이 전부일지 모른다. 그 안에는 아무 것도 없다. 있다면 그것은 죽음충동이 집약된 코라와 같은 의미에서의 집뿐이다. 베일은 그것만이 아니다. 박정국이 집을 반복해서 그려놓고, 그것을 마치 내러티브가 있는 양 늘어놓는다. 그러고는 이해가 될 만한 어떠한 단서도 보여주지 않는다. 이미 그 작품은 박정국의 무의식을 떠나 관자에게서 자라나는 또 다른 상상적 내러티브가 된다. 그로써 내러티브가 있는 듯 보이는 것 역시 하나의 베일일 뿐이며, 베일은 오브제 아(objet a), 즉 환상대상이 되는 것이다. 실상, 베일은 무언가 대단한 것이 있는 것처럼 꾸며대지만, 그 베일을 열면, 아무 것도 없거나 해골일 뿐이다. 그럼에도 불구하고 우리는 나부끼는 베일을 사랑해야만 하는 것이다. 그래야만 우리는 삶을 이어나갈 수 있다. 환상을 가로지르는 일이야말로, 우리가 세상을 견딜 수 있는 차선 혹은 차악의 방법일지도 모르니까.

네 번째 상상 혹은 바람 : 삶은 환상보다 더 풍부한 것이다.

박정국은 자발적으로 나를 찾아온 몇 안 되는 작가들 중 한 사람이다. 만남에는 늘 평판, 소문, 명성이라는 중개자가 있기 마련이다. 그러나 그는 내가 어떤 젊은 예술가에게 보낸 공개서한을 읽고, 에둘러 오지 않고 직진해 왔다. 모든 편지는 나에게 쓰는 것이다. 동시에 모든 편지는 도둑맞은 편지다. 이미 먼저 발견하고 공감하는 자의 것이니까 말이다. 그는 조심스럽게 다가왔지만, 나는 그의 헐벗고 갈급한 심리적 아고니(agony) 상태를 알 수 있을 것 같았다.

요즘 박정국은 예술가로서의 자신의 책무라든지, 타성에 젖은 안일한 작업태도라든지, 규범으로부터의 저항과 일탈이라든지, 진정한 작업에 대한 갈등과 고민과 같은 문제로 회의하고 있다는 느낌을 받는다. 이제 박정국은 화면의 결을 탐사하는 것을 중지하고, 그럼으로써 적절한 치유를 방기하는 것이야말로, 역설적으로 자기 자신과 만나는 시발점이 될 것이다. 자신의 감정과 욕망을 표현할 줄 아는 ‘아이-되기’8)부터 실천해야 할 것이다. 누구(신, 부모, 사회, 국가, 제도, 미술계 등)의 명령도 듣지 않고 오직 자신의 내면의 욕망을 따르는 것이다. 그들과 함께 안락하기보다는 외롭고 고통스러울지라도 그들 없이 지내는 것이다.

자신에게 들러붙어 있는 강박적 트라우마와 콤플렉스 등은 극복되어야 할 대상이 아니다. 그것은 어루만지고, 함께 잘 놀아야할 대상이다. 가능하다면, 그것을 예술로 현실화하는 작업이 승화라는 이름으로 재복귀하는 것이리라. 흥미롭게도 박정국은 이미 그 작업을 착수한 것으로 보여 진다. 그의 목숨을 건 일탈은 이미 시작되었고, 그것은 더 이상 일탈이 아닌 탈주로서, 긍정과 유희와 창조의 세계로의 입문이다. 이것이야말로, 스스로 자기 욕망의 주인이 되는 길인 동시에 자기세계를 갖는 유일한(?) 길이기 때문이다. <옆집갤러리>

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1) 이때 un은 억압의 의미를 내포한다. 메타포로서의 ‘집’을 억압하면, 기괴하고 낯선 집(존재)이 되는 것이다. 이 개념은 프로이트적으로 표현하면, 언캐니(uncanny: 낯설은 두려움 혹은 낯익은 낯설음)이다.
2) 라캉은 1964년 초 <무의식적인 것과 반복>이라는 세미나에서 트라우마적인 것을 실재적인 것과의 어긋난 만남이라고 정의한다. 어긋난 것이기에 실재적인 것은 재현될 수 없고, 그것은 반복될 수 있을 뿐이며, 실은 반드시 반복될 것임에 틀림없다는 것이다. 즉 그에 의하면 “반복은 재생산이 아니다(reproduction)."
3) 프로이트는 반복강박에 대한 실례로서, 그의 18개월 된 손자가 실패에 매달린 끈을 가지고 만들어낸 ‘포르트-다’ 놀이를 든다. 아이는 어머니가 정기적으로 사라지는 것을 수동적으로 참고 견디기보다는 적극적으로 대처하고 싶어 했다. 그래서 생각해낸 것이 ‘포르트-다’ 놀이였다. 그 놀이는 사건을 상징적으로 보여준다. 아이는 자주 실패를 집어던지고는 그것을 버리고 나서 안보이게 되면, ‘포르트’(fort! 저기로 가버렸네)라고 소리치고, 다시 줄로 실패를 당겨 원위치로 돌려서 그것이 보이게 되면 ‘다’(da! 여기 있구나!)라고 소리치며 기뻐했다. 그것은 사라짐과 돌아옴이라는 것을 완벽하게 보여주는 놀이였다. 이렇게 하여 ‘포르트-다’ 놀이는 그 유명한 반복충동 이론을 낳는다. (S. Freud, ‘쾌락원칙을 넘어서’, <정신분석학의 근본개념>, 열린책들, [1920]2003, p.280.)
4) 죽음 충동은 자살 충동이 아니다. 그것은 자기가 태어난 바로 어머니의 자궁과 같은 곳으로 돌아가는 것, 자극이 없는 열반의 세계와도 같은 곳 등을 의미한다. 죽음충동은 삶이라는 지루한 반복을 끝내고 휴식에 들어가고픈 욕망을 의미한다.
5) 아이에게 처음으로 대타자의 위치를 차지하는 것은 어머니인데, 아이의 원초적인 울음과 특수한 메시지로서 그 울음을 사후적으로 확인하는 사람이 바로 어머니이기 때문이다. 아이가 이러한 대타자는 완벽하지도 않고 대타자에게 결여가 있다는 것을 발견할 때 거세 콤플렉스가 형성된다.
6) 할 포스터, 실재의 귀환, <실재의 귀환>, 경성대학교 출판부, [1996]2003, p.203.
7) 미하엘 하네케의 이 영화는 평온한 삶을 누리는 중산층 가정에 갑자기 자신들의 일상사를 찍은 비디오테이프와 섬뜩한 메시지가 담긴 그림이 배달되고, 그들의 평화로운 일상에 파문이 일기 시작한다. 계속해서 배달되는 비디오테이프와 그림은 점점 더 그들의 은밀하고 사적인 생활들에 관한 내용과 결부되고 그들의 불안은 극으로 치닫는다. 이 영화에서 누가 범인인 것은 중요하지 않다. 유럽 부르주아 일상에 끼어든 갑작스럽게 드러나는 이런 공포와 두려움은, 개인적으로는 억압된 무의식(죄의식)의 귀환 혹은 사회적으로 알제리에 대한 죄의식을 반영하는 것으로 보인다. 고로 일반화를 무릅쓰고 말한다면, 범인은 무의식 혹은 죄의식이라고 할 수 있다.
8) ‘되기’는 들뢰즈적 개념이지만, 그 원본은 니체에게 있다. 니체는 <차라투스트라는 이렇게 말했다>에서 “어린아이는 천진난만이요. 망각이며, 새로운 시작, 놀이, 스스로의 힘으로 굴러가는 수레바퀴이고, 최초의 운동이자 신성한 긍정이다.”라고 말한다. 어린아이는 자기 욕망에 충실하다. 도덕이나 법률, 제도는 아이의 행동을 심판할 수 없다. 아이는 천진난만하게 웃을 뿐이다. 어린아이에게는 양심의 가책이 없다, 그는 비도덕적 존재이다. 그것은 그가 악한 존재라는 의미에서가 아니라 도덕을 필요로 하지 않고 도덕을 갖고 있지도 않다는 의미에서 그렇다. (중략) 사자에게는 힘든 전투였던 것이 아이에게는 재미있는 놀이가 된다. 아이는 자신의 욕망에 따라 굴러가는 바퀴인 것이다.(고병권, <니체의 위험한 책, 차라투스트라는 이렇게 말했다>, 그린비, p.291.

Sohee Kim - Whereabouts

(Manager) — Mon, 12 Oct 2009 21:36:58 +0900

Whereabouts _ photography by Sohee Kim

October 28 - November 15, 2009

Opening reception: 10. 28 (WED), 5-8pm

artist bio

Wings of Desire (Untitled_First), 2008, digital print

Wings of Desire (Untitled 2), 2008, digital print

Wings of Desire (Untitled 4), 2008, digital print

Wings of Desire (Untitled 5), 2009, digital print

Wings of Desire (Untitled 6), 2008, digital print

Wings of Desire (Untitled 7), 2008, digital print

Wings of Desire (Untitled 8), 2008, digital print

Wings of Desire (Untitled 9), 2009, digital print

Wings of Desire (Untitled 10), 2008, digital print

Wings of Desire (Untitled 12), 2008, digital print

Wings of Desire (Untitled 13), 2008, digital print

Wings of Desire (Untitled 14), 2009, digital print

Wings of Desire (Untitled 16), 2009, digital print

Wings of Desire (Untitled 18), 2008, digital print

Wings of Desire (Untitled 20), 2008, digital print

Wings of Desire (Untitled_Last), 2009, digital print

Why (Untitled), 2007, digital print

Why (Untitled), 2006, digital print

Why (Untitled), 2007, digital print

Why (Untitled), 2006, digital print

Why (Untitled), 2007, digital print

소외된 익명성과 관계성을 가진 타자의 사이

- 김태윤 (옆집갤러리 디렉터)

예술은 역사의 어디쯤인가에 놓여 있으며, 동시대의 작가들은 미술사의 끝자락에서 현대미술이 가야 할 방향을 제각기 주장하고 있다. 보이는 것과 보이지 않는 곳의 사이는, 두 세계의 중재자로서 작가가 위치한 영역이다. 작가는 보이지 않는 곳을 한순간에 보편성을 요구하는 세상으로 버젓이 옮겨 놓기도 하고, 보이는 곳에 속해 있는 것들 사이의 특수한 관계를 보다 은밀한 곳으로 슬그머니 분류해 놓기도 한다.

김소희는 자살을 주제로 한 <Why> 시리즈로 첫 개인전을 가졌다. 자살이란 의도된 생의 마감으로, 그 섬뜩하고도 우울한 현장이 누군가에게 발견될 때까지 쓸쓸한 익명성에 가려져 있다. 연속된 시간 위에서 생에 관해 무력한 지위를 가진 인간은 자살을 언급해서는 안 될 금기의 영역에 둘 수밖에 없으나, 김소희는 이 그로테스크한 자살의 상황들을 리서치하고 자신을 대리체험자로서 모의자살로 내모는 셀프 포트레이트의 방법으로써 자살에 관한 소통을 구하고 있다. 그것은 ‘보편성을 요구하는 사회적 관계 속에서 암묵적인 예외의 상황’으로의 예술에 대한 기대를 담보로 하며, 김소희가 보여주는 진지하고도 초현실적인 흑백의 이미지들은 그에 상응하는 결과를 만들어 내었다.

<Why> 시리즈가 익명성에 속해 있는 상황을 작가 자신을 내세워 관계성을 가진 타자의 위치로 이끌었다면, 이어지는 연속선에 놓여 있는 김소희의 후속작업 <Wings of Desire>는 타자로서의 <Why>가 갖고 있는 각각의 자살 상황의 합일된 대표자로서의 천사를 만들어 내었다. 즉, <Wings of Desire>에 등장한 천사는 <Why> 시리즈의 타자의 개별적 상황을 자기화하여 기억하고 있는 개체가 보여주는 경험의 시간이다. 영원한 시간을 지배하는 신의 세계에 속하지 못하고 지상으로 내려와 현실의 일상에 속해 있으나 다른 사람과 관계성을 이룰 수 없어 결국 또 다시 죽음을 선택해야 하는 천사의 이미지는 트루컬러 이전 70년대의 조악한 컬러텔레비전에서 보이는 아날로그의 색으로 만들어져 삶과 죽음이 무한히 반복되는 판타지를 보여준다.

<Whereabouts 展>은 김소희의 <Why> 와 <Wings of Desire> 두 시리즈를 하나의 작업 선상에서 조명하고자 기획되었다. 특히, <옆집갤러리>와 함께 전시가 진행될 (주)메타로그의 <통의동 보안여관>은 일제 강점기 때 지어진 건물로서 사료적 가치가 깊은 곳이다. 건축가 알도로시(Aldo Rossi, 1931∼1997)는 지형과 장소에 대한 기억과 흔적을 통해 도시가 이루어지며, 기능과 효용 가치를 상실한 역사적 건축물 역시 기념물로서 자신이 함께한 시간을 기억하고 있는 유기체와 같다고 말한다. 보안여관은 1936에 장기 투숙했던 시인 서정주가 김동리, 함형수, 김달진 등의 문학청년들과 모여 문예동인지 <시인부락>을 발간한 곳이다. 이후 보안여관은 군사정권 시절에 청와대 직원들의 숙소와 경호원 가족의 면회 장소로 사용되기도 하였다. <통의동 보안여관>은 자신과 함께한 시간에 순응하는, 아니 그 시간을 포용하는 유기체이다.

이번 <Whereabouts 展>이, 의도된 생의 마감, 즉 자살로부터 출발한 김소희의 이미지 간섭을 통해, 보이는 것과 보이지 않는 곳 사이에서 발생하는 대치에 대하여 입장의 반전을 통한 화해를 보여주기를 기대하며, 또한 개인이 가진 문제에서 출발한 사고의 발상이 타자를 통해 객관적인 일반성을 획득하게 된 후, 사회 문화적인 제시로서 예술이 가져야 하는 역할을 생각하게 하는 어디쯤에 놓여 있었으면 한다. <옆집갤러리>

기    획: 옆집갤러리
후    원: (주) 메타로그 아트 서비스
전시실1: 옆집갤러리 (서울시 종로구 창성동 122-8)
전시실2: 통의동 보안여관 (서울시 종로구 통의동 2-1)

New Face Preview_II

(Manager) — Thu, 10 Sep 2009 23:30:54 +0900

공모작가 프리뷰 전시

The New Faces at Next Door _ Part II

Seunghee Kang, Junghee Roh, Young Oh, Sunjin Lee, Kyung Chae, Heeseung Choi

강승희, 노정희, 오 영, 이선진, 채 경, 최희승

OCT 13 - 25, 2009
Opening reception: 10.14 (Wed) 5-8 pm

Seunghee Kang, You Are My Family!, 2009, embroidery and mixed media on digital print, 160 x 100 cm

Junghee Roh, People No.57 (Recognition), 2009, oil on canvas, 38 x 45 cm

Junghee Roh, People No.56 (Detached Conversation), 2009, oil on canvas, 38 x 45 cm

Young Oh, Red Apartment, 2008, oil on canvas, 162.2 x 130.3 cm

Young Oh, Tired Apartment, 2008, oil on canvas, 116.8 x 91 cm

Sunjin Lee, Journey (Spring), 2009, Korean watercolor on silk, metal, mixed media, 42 X 36 X 4 cm

Sunjin Lee, Journey (The Dano Festival), 2009, Korean watercolor on silk, metal, mixed media, 48 X 42 X 4 cm

Kyung Chae, Stars 521, 2009, wide color and light panel, 180 x 90 cm

Heeseung Choi, Surface, 2009, 53 x 41 cm

옆 집 갤 러 리 는 첫 번째 작가 공모전을 통해 선정된 작가 중 강 승 희, 노 정 희, 오 영, 이 선 진, 채 경, 최 희 승, 여섯 작가의 작품을 <The New Faces at Next Door _ Part II>에서 프리뷰 합니다. 옆 집 갤 러 리 는 2008년 10월에 오픈하여 다양한 기획전으로 의미 있는 작품을 선보이기 위해 힘써 왔으며 앞으로도 작가, 기획자, 평론가, 미술애호가 여러분과 공정하고 진지한 담론의 플랫폼이 되려는 처음의 목적을 계속 이어 가겠습니다. *

강 승 희 작가 (회화, 설치)는 현대 사회의 소음, 속도, 혼란과 미디어에 광분한 현대의 단상을 선명한 색채와 카툰 같은 드로잉 구성을 통해 화면을 가득 메운다. 즉, 작가는 무질서하게 방대한 정보들을 스폰지처럼 한 번에 압축해서 흡수해, 해학적이면서도 악마 같이 사악한 느낌으로 거침없이 그것을 표현해 내는 것이다. 여기서 작가는 사회적인 상징들과 구조, 인간 행동에서 정보를 모아 그것을 예술작품으로 승화하는 기록자이자 동시에 현대사회라는 리얼리티 쇼에 적극 참여하고 희생되는 존재가 된다. (Dean Kenning의 평론글 요약) *강승희 작가는 영국 골드스미스 대학교에서 석사 학위를 받았으며, 한국과 영국에서 6번의 개인전을 가졌고, 작품이 블룸버그 스페이스 (런던), 살롱 갤러리 (런던), 성주어패럴 MCM (서울)에 소장되었다. 또한 10월 22일부터는 프랑스 피악 (FIAC) 아트페어를 통해 파리 루브르 (Louvre) 등에서도 작업이 소개된다.

노 정 희 작가 (회화)는 ‘사람들’을 주제로 작업한다. 여기서 사람들은 구체적이거나 사실적이라기보다는 추상적인 형상의 색과 면으로 이루어진 풍경의 한 장면으로 그려진다. 유화를 두껍게 올린 표면 위에 한국화적인 선묘기법 같은 한 획의 드로잉 선으로 인물을 표현하고 드로잉의 홈 안에 다른 색채를 채워 넣거나 덧바르는 판화적인 기법을 사용한다. 작가의 화면에서 인물은 익명성을 내포하면서 자연에 반해 그 이상의 의미를 가지지 않는 현대인의 삶을 이야기하고 있다. 그 존재의 의미에서 작가는 사실이 현실인가, 현실은 사실인가 하는 끊임없는 질문을 던지고 있다. *노정희 작가는 중앙대학교 학부에서 서양화를 전공하였고, 런던 첼시 컬리지 오브 아트 앤 디자인에서 순수회화 전공으로 석사과정을 마쳤다.

오 영 작가 (회화)는 인물 군상을 그린다. 기묘한 공간에 놓여있는, 불안정한, 종종 신체가 절단된 인물들은 대부분 생각을 읽을 수 없는 무심한 얼굴을 하고 있다. 마치 기억 속에서 불쑥불쑥 차오르는 기억의 파편들을 모아 짜깁기한 듯한 그들 무리는 기이한 부조화의 만물상이 된다. *오영 작가는 이화여대 학부와 독일 브레멘 예술대학교에서 석사 및 마이스터 쉴러 과정에서 회화를 전공하였으며, 한국과 독일에서 8번의 개인전을 가졌다.

이 선 진 작가 (회화, 조각)는 신윤복의 원화를 차용한다. 이로써 원전의 지평과 차용된 지평, 미술사적인 권위를 부여받은 객관적인 지평과 작가의 주관적인 지평, 과거의 습속과 현재의 해석이 서로 스며들고 삼투되고 융합된다. 작가는 신윤복의 원화를 전통적인 한국화법의 순서대로 먹그림과 엷은 채색 그리고 짙은 채색으로 따로 분절시켜 견 위에 그린 후에 이를 투명한 에폭시 층 사이에 일정한 간격을 두고 중첩시킴으로써 입체적인 그림을 형성한다. 이로써 먹그림의 주요 과제 중 하나인 습윤한 기운을 불러일으키는 인공적인 환경을 조성하는 것이다. (고충환의 평론글 요약) *이선진 작가는 덕성여대 학부와 대학원에서 동양화, 미국 메사츄세스 대학원에서 순수미술을 전공하였다. 4번의 개인전을 가진 바 있다.

채 경 작가 (사진, 설치)의 메타모포시스(metamorphosis, 변형) 시리즈는 마오딴 또는 곤계란에 얽힌 작가의 어린시절 공포스런 기억에서 시작한다. 작은 생명에 대한 안타까움에서 출발한 이 작업은 엑스레이를 통해 들여다본, 원형의 껍질 안에서 움터가는 생명에 대한 경이감과 그로테스크함을 동시에 담고 있다. 밤하늘의 달을 보며 각자의 상상을 펼치듯, 작가에게 밤하늘이란, 창조와 소멸이 거듭하는 생명체들의 집합이다. 여기에 죽음이 예견된 삶을 준비하는 곤계란의 이미지를 중첩하는 작가의 작품은 이중의 감정을 유도하고 있다. *채경 작가는 중앙대학교에서 사진을 전공하였으며, 한국과 싱가포르에서 4회의 개인전을 가졌다.

최 희 승 작가 (회화)의 표면(surface) 시리즈는 물과 ‘살’ ‘껍데기’ ‘표면’을 상징하는 책 또는 동물의 가죽을 소재로 삼는다. 여기서 물이란 그 자체로서는 무(無)이지만 다른 무언가와 접촉함으로써 자신의 형태를 생성하는, 의미의 비가시성을 상징하며, 표면인 책은 본질을 향한 통로로서, 의미를 가시성의 세계로 이끈다. 수면은 이러한 가시성과 비가시성이 안착되는 결합의 지점이며 교차의 순간이 된다. 최희승의 회화에서 잔잔한 수면과 그 위에 도식적으로 떠있는 사물은 우리의 일상에 대해 직설적인 대답을 주지는 않지만, 어떤 잠재된 기억 혹은 무의식을 불러일으키는 듯하다. *최희승 작가는 홍익대학교에서 회화를 전공하였다. <옆집갤러리>

Limited Editions

(Manager) — Thu, 03 Sep 2009 14:54:08 +0900

LIMITED EDITIONS

Limited edition prints and photographs available:

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구매 가능한 에디션 판화 및 사진 작품의 리스트입니다.
문의 inquiry: (02) 730-2560



박혜정 Hyejeong Park_사과학살자 Apple Slayer, 2005 박혜정 Hyejeong Park_드림 리사 Dream Lisa, 2007
Digital print, 20.5 x 30 cm, Ed. of 50, 10만원 Digital print, 21.6 x 27.9 cm, Ed. of 50, 10만원
   *일본 작가 와타야 리사의 장편소설 『꿈을 주다』 한국어판
   (중앙 북스, 서울, 2008)의 홍보용 일러스트레이션



박혜정 Hyejeong Park_미드서머 Midsummer, 2002       김소희 Sohee Kim_Untitled (Why series), 2007
Digital print, 27.9 x 21.6 cm, Ed. of 50, 10만원 Digital print, 49.5 x 60 cm, Ed. of 10

Jamie M. Lee - Sweet Wonder

(Manager) — Sun, 16 Aug 2009 23:15:55 +0900

Opening reception: Thursday, September 17, 5-8 pm

Welcome to America!, 2008, acrylic and mixed media on paper, 96.5 x 96.5 cm

Finally, I Found You, 2008, acrylic and mixed media on panel, 193.0 x 127.0 cm

Sweet Wonder, 2009, acrylic and mixed media on panel, 30.5 x 22.9 cm

You Always Make Me Happy, 2008, acrylic and mixed media on paper, 96.5 x 121.9 cm

Full Moon, 2009, acrylic and mixed media on panel, 38.1 cm in diameter

Morning Sunshine, 2009, acrylic and mixed media on panel, 38.1 x 38.1 cm

artist bio

옆집갤러리는 캘리포니아 대학과 클레어몬트 대학원에서 회화를 전공하고 현재 뉴욕에서 활동하고 있는 재미작가 제이미 리의 첫 번째 한국 개인전을 2009년 9월 16일에서 10월 11일까지 선보입니다. 본 전시는 작가의 네 번째 개인전입니다. 제이미 리는 행복과 만족, 발견, 사랑, 경탄과 기쁨의 낙천주의를, 다양한 재료와 콜라쥬 기법을 사용한 화려한 화면 안에서 시적이고도 추상적으로 표현합니다.

제이미 리의 유능한 하이브리드: 예쁘게 그린 그림, 그것을 월등히 뛰어넘는

- 데이빗 페이겔 (평론가, 클레어몬드 대학원 미술학과 학과장)

제이미 리 (Jamie M. Lee)는 예쁜 그림을 그린다. 그러나 두 번, 세 번, 네 번 그의 그림을 보게 되면 예쁘다는 차원을 훨씬 뛰어넘는다는 것을 깨닫는다. 한국에서 태어나, 캘리포니아에서 교육을 받고, 뉴욕을 기반으로 활동하고 있는 이 작가의 색채로 흠뻑 젖은 현란한 작품들은 사실 정확히 말하면 회화가 아니다. 또한, 일반적으로 우리가 아는 '예쁜' 차원도 아니다. 그렇다고 엄연히 따지면 그림도 아니다.

우선 작가의 각기 다른 특색의 요소로 신중을 기울여 구성된, 마치 별자리와 같은 작품들은 솔기 없이 매끄러운 회화가 아니라 가지각색의 요소로 구성된 콜라주이다. 어울릴 것 같지 않은 다양한 재료로 만들어진 혼합물인 셈이다. 그가 사용하는 재료에는 전형적인 미술재료인 에어브러시 아크릴 물감이 있고, 마킹 펜, 젤, 색깔잉크, 그리고 다양한 색깔의 종이를 오리고 붙이는 화법도 있지만, 그는 또한 비전형적인 재료인 반짝이, 천, 실과 수많은 종류의 염료도 사용한다. 작가가 이와 같은 재료로 무엇을 하는가가 그의 작품을 독창적이게 만든다. 다시 말해 강렬한 혼성으로서 회화의 구도적 조화와 콜라주의 분열성이 서로 상승효과를 이룬다. 결코, 이상적이거나 과거를 동경하는 것이 아닌, 가장 적당한 비율의 비-센티멘털한 현실주의와 몽환적인 낙천주의가 섞인 작품을 창조해낸다.

작가의 지극히 유형(有形)적인 작품들이 전통회화가 아닌 것과 마찬가지로 그의 작품들은 우리가 일반적으로 말하는 '예쁘다'로 형용할 수 없다. 우리의 감각에 온화한 호감으로서 보는 이로 하여금 요구하는 바가 과하지 않다. 그렇다고 작가의 몹시 흥미로운 작품들은 단순히 매력적인 색깔을 균형 있게 혼합시키는 데 그치지 않는다. 그리고 유혹적이고 아름다운 형상으로 이룬 우아한 배합에 그치는 것도 아니다. 즉, 그의 작품은 우아하고 친절하게 주변을 향상시키는 장식의 역할에 만족하지 않는다. 다른 주인공을 위해 파티를 마련한 얌전한 안주인처럼 배경으로 점잔빼는 것이 아니다.

패널 판과 종이 위의 대담하고 힘 있는 작가의 작품들은 '예쁨'을 잘 활용한다. 그의 작품에 있어 아름다움은 목적이 아니라 보는 이의 참여를 이끌어내는 수단이다. 상상의 풍경, 파노라마와 같은 정물화와 침착하고 겸허하게 선보이는 그의 정밀한 선형의 세계들은 친밀하면서 열려 있는 결말로 우리의 참여를 이끈다. 작가의 모든 작품들은 상상을 자아내며 기억을 자극하는 이미지들로 구성되었다. 시 감각적인 그림의 선명한 선들은 빛의 만질 수 없는 성질, 즉 떠도는 공기의 무형성(無形性)과 합쳐져 복잡한 경험들을 창조한다. 그 경험들은 매우 흥미로우며 처음에 느껴지는 그대로 머물러 있지 않는다.

이것이 작가의 작품이 사실은 ‘그림’이 아니라는 점과 일맥상통한다. 그의 역동적인 이미지들을 자세히 들여다보면 외관상으로는 견고한 듯 보이는 물체가 추상적인 양식으로 분해되는 점을 발견할 수 있다. 그것은 처음에 실체적으로 보이는 국화, 해바라기, 데이지들이 그들의 구성성분들로 분해되는 것을 바라보는 것과 같다. 즉, 가지, 잎사귀와 꽃으로 분리되는 현상과 같은데, 결국 작품들은 반복적 문양과 색깔, 선으로 분리되며 그것 역시 대부분 무형의 대기와 만질 수 없는 색깔들로 계속하여 분해된다.

그러나 작가의 작품에서 순수한 추상이 그림의 묘사와 표현을 완전히 대체시키는 것도 아니다. 그보다는 오히려 그의 다층적인 작품들은 두 가지의 세계에 동시에 존재한다. 꽃, 새, 곤충이든, 고층빌딩과 바다 경치든 그의 작품은 우리가 알아볼 수 있는 현실에서의 친숙한 사물들과 친밀한 관계를 유지하면서 동시에 우리 인간의 상상력을 위한 자리 또한 마련해둔다-우리의 의식에 충분한 자유공간을 허용하는 몽상이나 공상을 위해서 말이다. 그리하여 그 상상의 영역이 전형적인 이성의 구속, 즉 효율에 충실히 목적의식을 둔 좁은 의미의 생산성으로부터 벗어날 수 있게 된다. 경계선을 구부러뜨리는 작가의 이미지들은 우리에게 주변 환경과 보다 풍부하고 조밀하며 더욱 복잡한 관계에 빠져들고 그 관계를 신장시키도록 초대한다. 그러므로 우리의 직접적인 주변 환경에서 볼 수 있는 예쁜 그림처럼 단순한 것들이 신기한 세부묘사와 조용히 매혹적인 구성의 '세계 안의 세계'로 새로운 문을 열어준다.

제이미 리의 추상적인 이미지들은 또한 팝아트의 접근성과 개인 기억의 친밀함을 함께 모아놓는다. 결코, 허위적이거나 센티멘털하지 않은 그의 이미지들은 대량생산된 소비물품들의 표준화된 동일성을 피하며 그 이미지들은 자아의 프라이버시와 독창성을 일개의 페티시로 절대 전락시키지 않는다. 오히려 작가의 풍부한 재료들과 장르, 예술적 관습의 혼합은 각각의 감상자에게 일상의 평범함을 강한 자극으로 채워 가장 작고 무의미해 보이는 것들에 집중을 높인다.

그의 작품들은 19세기 유럽 낭만주의자들처럼 자연을 강조하기보다는 도시적 교양, 세련된 솜씨와 세계주의적 쾌락의 완전히 문명화된 세계를 기린다. 작가의 가장 뛰어난 점 중의 하나는 그의 낙천주의다. 그의 작품에는 인생과 예술에 있어서 행복과 만족, 발견, 사랑, 경탄과 기쁨이 꼭 필요한 경험들이라고 추구하는 열린 마음이 내포되어 있다. 실용주의와 청교도정신에 역사적 기반을 둔 미국에서는 일반적으로 이러한 경험들을 배제해 두었다. 그리고 전통적으로 이러한 인생경험들은 아방가르드적 엄숙함과 초현실주의적 기괴함, 개념주의적 허영에 의해 밀려났다. 작가의 풍부하게 사용하는 관능적인 색채와 교묘한 움직임, 생동감 넘치는 형상들은 그러한 오려붙인 것 같이 건조한 보수주의의 얼굴에 충격을 준다. 그는 우리에게 예쁘게 그린 그림들, 그보다 훨씬 더 많은 것을 선사한다. * 데이빗 페이겔(David Pagel): 로스앤젤레스의 예술 비평가로서 <로스앤젤레스 타임스>에 정기적으로 기고하며, 클레어몬트 대학원(Claremont Graduate University)에서 예술 이론과 역사를 가르치는 부교수이자 미술학과 학과장을 맡고 있다. 덧붙여 그는 파리쉬 미술관(Parrish Art Museum)의 부관장으로 현재 팝아트와 민속 예술의 관계에 대한 전시회를 준비 중이다. <옆집갤러리>

Pretty Painted Pictures and a Whole Lot More: Jamie M. Lee’s Savvy Hybrids

- David Pagel

Jamie M. Lee paints pretty pictures that – on second, third, and fourth looks – reveal themselves to be a lot more complicated than that. In fact, the Korea-born, California-educated, New York-based artist’s color-saturated extravaganzas are not, properly speaking, paintings. Nor are they conventionally pretty. And for that matter, they are not really pictures.

To start with the first: Each of Lee’s carefully composed constellations of distinct elements is not a seamlessly smooth painting but a polyglot collage, a mix-and-match mélange comprised of a diverse inventory of disparate materials, including such typically artistic supplies as airbrushed acrylics, marking pens, gel mediums, tinted inks, and variously colored pieces of cut-and-pasted paper, as well as such untraditional elements as glitter, fabric, thread, and all sorts of saturated dyes. What Lee does with these materials is what makes her works original: powerful hybrids in which painting’s compositional unity and collage’s fractured fragmentation feed off of each other to produce pieces that are neither nostalgic nor idealized but just the right mixture of unsentimental realism and dreamy optimism.

In the same way that Lee’s resplendently physical works are not conventional paintings, they are also not pretty, in the ordinary sense of the term: benignly agreeable to the senses and unassuming in the demands they make on viewers. Lee’s deeply appealing works do not settle for combining attractive colors in balanced compositions or for making tasteful arrangements of seductive shapes and gorgeous forms. They are not content to create pleasantly decorative atmospheres that gracefully – and graciously – enhance their surroundings while demurely slipping into the background, like well-behaved hostesses who are not supposed to be the focus of the social engagements they facilitate. Instead, Lee’s bold and potent works on panel and paper put prettiness to good use. For them, beauty is not an end in itself but a means to intensify and strengthen a viewer’s involvement with the open-ended yet intimate dramas that unfold before the imaginary landscapes, panoramic still lifes, and exquisitely detailed linear worlds they lay out with humble aplomb. In all of Lee’s dream-inducing, memory-stimulating images, the crisp visual punch of sharp, hard-edged graphics combines with the untouchable elusiveness of colored light and the indescribable immateriality of drifting air to create complex experiences in which things aren’t what they seem, and, more important, are a whole lot more interesting than usual.

That is also the sense in which Lee’s works are not really pictures. To look closely at any of her energetically animated images is to watch seemingly solid objects break down into abstract patterns. It is to see what initially appeared to be substantial chrysanthemums, sun flowers, and daisies splinter into their constitutive components: stems, leaves and flowers, all of which, in turn, dissipate into patterns made up of repeated shapes, colors, and lines, which themselves often dissolve into ethereal atmospheres and intangible colors. But representation, depiction, and picture-making are not displaced by pure abstraction in Lee’s works. On the contrary, her multi-layered emblems live in two worlds simultaneously. They stay on intimate terms with such familiar things from recognizable reality as flowers, birds, bugs, skyscapes, and seascapes while making a place for the human imagination – for daydreams and reveries that allow consciousness plenty of free space, so that it can depart from the conventional strictures of rationality, the dutiful purposefulness of efficiency, and the narrowly defined productivity of goal-oriented behavior. Lee’s boundary-bending images invite viewers to indulge and cultivate a richer and denser and more complex relationship to our immediate surroundings, where simple things, like pretty pictures, open onto worlds-within-worlds, each filled with endlessly fascinating details and quietly ravishing intrigue.

Her abstract images also bring together the accessibility of Pop Art and the intimacy of personal recollections. Neither superficial nor sentimental, they eschew the standardized sameness of mass-produced consumer goods and they never fetishize the privacy and uniqueness of the psychological self. Instead, Lee’s generous mixtures of materials, genres, and artistic conventions offer a charged blend of mundane, everyday ordinariness and knock-your-socks-off excitement by inviting individual viewers to lavish our heightened attentiveness on the littlest, seemingly most insignificant of things. Her works celebrate not Nature, with a capital “N,” like the nineteenth-century European Romantics, but an entirely cultivated world of urbane sophistication, refined artifice, and cosmopolitan pleasure. One of the best things about Lee’s art is its optimism, its willingness to seek out and insist upon satisfaction and happiness and discovery and love and wonder and delight as experiences essential to art and to life. In the United States, an entrenched history of pragmatism and Puritanism has generally denigrated such experiences, which traditionally have been pushed out of art in favor of avant-garde solemnity, Surrealist grotesquerie, and Conceptual pretense. Lee’s gorgeous profusions of sensual colors, serpentine movements, and vibrant forms fly in the face of such cut-and-dried conservatism, giving us pretty, painted pictures that are a whole lot more than only that. * David Pagel is a Los Angeles art critic who writes regularly for the Los Angeles Times. He is also associate professor of art theory and history, and Chair of the Art Department, at Claremont Graduate University, and adjunct curator at the Parrish Art Museum, where he is currently working on an exhibition about the relationship between Pop Art and Folk Art. <Next Door Gallery>

New Face Preview_I

(Manager) — Sun, 16 Aug 2009 23:13:04 +0900

공모작가 프리뷰 전시

The New Faces at Next Door _ Part I

Sunhee Kim, Jimin Yoo, Jeongmin Lee, Hee-Eun Jeong, Eunjeong Choi

김선희, 유지민, 이정민, 정희은, 최은정

August 19 - September 06, 2009

Opening reception: Friday, 8.21 5-8pm

Sunhee Kim, Memory 8, 2008, pine wood, 75 x 25 x 63 cm

Sunhee Kim, Memory 2, 2008, pine and zelkova wood, dimensions variable

Sunhee Kim, Memory 10, 2009, maple wood, dimensions variable

Jimin Yoo, Utopia Record, 2009, pencil and ink on paper, 140 cm in diameter

Jimin Yoo, Utopia Record, 2008, pencil and ink on paper, 140 cm in diameter

Jeongmin Lee, Forest Loft, 2009, oil on canvas, diptych, 130.3 x 162.2 cm each

Hee-Eun Jeong, The Place, 2008, oil on canvas, 130.3 X 89.4 cm

Hee-Eun Jeong, Untilted (yellow line), 2009, oil on canvas, 145.5 x 112.1 cm

Eunjeong Choi, Untitled, 2008, mixed media on paper, 42 x 31 cm

Eunjeong Choi, Vague Space Series 1, 2007, mixed media on paper, 40 x 30 cm

Eunjeong Choi, Vague Space Series 2, 2007, mixed media on paper, 40 x 30 cm

옆 집 갤 러 리 는 첫 번째 공모전을 통해 선정된 작가 중 김 선 희, 유 지 민, 이 정 민, 정 희 은, 최 은 정, 다섯 작가의 작품을 <The New Faces at Next Door _ Part I>에서 프리뷰 합니다. 옆 집 갤 러 리 는 2008년 10월에 오픈하여 다양한 기획전으로 의미 있는 작품을 선보이기 위해 힘써 왔으며 앞으로도 작가, 기획자, 평론가, 미술애호가 여러분과 공정하고 진지한 담론의 플랫폼이 되려는 처음의 목적을 계속 이어 가겠습니다. *

김 선 희 작가 (조각)는 자신의 기억을 돌아보는 인식의 행위 속에서 내면의 혼란과 무질서를 만든 원인을 인식하고, 이와 연관된 기억 속의 사물을 선택하여 다양한 질감의 나무를 깎고 갈아서 시적인 형상을 만든다. 이때, 사물은 기억과 함께 자신의 본래 모습을 찾아가는 과정에서 실마리를 제공하고, 지루한 연마의 과정과 반복된 물들이기 행위는 산란한 생각이나 감정을 모두 한곳으로 집중시켜 몰입으로 이끈다. * 김선희 작가는 동국대 학부와 이화여대 대학원에서 조소를 전공하였고 1회 개인전을 가졌으며, 작품이 국립현대미술관에 소장되었다.

유 지 민 작가 (동양화, 드로잉)는 일상의 상황과 풍경의 요소 가운데 느껴지는 성스러운 감성(sublimity)을 연필과 묵을 이용한 드로잉을 통해 표현한다. 빛과 어둠이 교차하는 순간의 우주를 연상하게 하는 공간 속에 책과 종이 그리고 건축을 유기적으로 구성하여 기하학적인 긴장을 이끌어낸다. 추상과 구상, 신성과 인성, 고요와 격정이 공존하는 작품은 독특한 경지의 느낌을 유도한다. * 유지민 작가는 홍익대 학부에서 동양화를 전공하였고 현재 동 대학원에 재학 중이다.

이 정 민 작가 (회화)의 회화에서 중요한 요소는 침묵과 고독감이다. 눈앞을 가득 채워도 아무 것도 실재가 잡히지 않는 뿌연 안개처럼 침묵은 텅 빔으로 가득한 감각의 장소를 만들어주는데, 이런 비어있는 공간은 작가에게 채워지지 않을 결핍으로 인식되어진다. 바쁜 현대인의 삶 속에는 외로움 속에서만 자유로울 수 있는 아이러니가 존재하고, 안정과 결핍의 감성이 혼합되어 정지된 듯한 작가의 회색빛 회화 너머에는 마음 속 폐허의 끝에서 불어오는 아이러니한 평화가 서려있다. * 이정민 작가는 성신여대 학부 및 대학원에서 회화를 전공하였다.

정 희 은 작가 (회화)는 둘 혹은 셋의 거대한 에너지가 부딪히며 극렬한 반응을 이뤄내는 사건 사고의 현장을 어두운 풍경의 화면으로 그려낸다. 작가는 일상적 삶의 질서를 벗어난 기이한 모습들 속에서 초현실적인, 혹은 3차원적인 느낌을 발견하며, 사고 현장의 연기, 잔해, 표식 등을 사건의 숨겨진 암호처럼 해석한다. * 정희은 작가는 이화여대 학부에서 서양화를 전공하였고 현재 동 대학원에 재학 중이다.

최 은 정 작가 (회화)는 일상과 내부에서 일어난 경험을 바탕으로 본인의 시선이 무엇을 향해 움직이며 그 의미는 어떠한 것인지, 존재의 공간과 세계에 대한 가능한 해석들을 혼합매체 및 회화를 통해 표현한다. 즉, 건축도면, 투시적인 연장선, 인물, 풍경 등의 요소를 중첩하고 유기적으로 배치함으로써 작가는 환경 속에서 인간이 이해하는 생의 관계와 세계 속의 질서를 시각화하는 것이다. * 최은정 작가는 홍익대 학부와 대학원에서 회화를 전공하였으며 현재 동 대학원 회화과 박사과정에 재학 중이다. <옆집갤러리>